буклет -------------- О хоровом творчестве С. М. Слонимского Созданием сочинений для хора Сергей Слонимский (р. 1932) занимается на протяжении всего творческого пути, став прижизненным классиком. Сама жанровая панорама петербургского мастера исключительно обширна: он автор 33 симфоний, девяти опер (среди них «Виринея», «Мария Стюарт», «Мастер и Маргарита», «Гамлет», «Видения Иоанна Грозного»), трех балетов («Икар», «Принцесса Пирлипат», «Волшебный орех»), большой серии инструментальных сочинений, вокальных циклов, фортепианных пьес, музыки для кино и драматических театров. Прибавим к этому много десятилетний педагогический труд в Петербургской консерватории, написание уникальных книг (как исследовательского плана – «Симфонии Прокофьева» (1958), «Мелодика» (2018), так и мемуарных или исторических). Врожденный литературный слух композитора имеет генетические корни: Сергей Слонимский – сын выдающегося писателя Михаила Леонидовича Слонимского, участника знаменитого литературного объединения «Серапионовы братья». Ему суждено было пережить необоснованную травлю в 1946 году, а его сыну – серию унизительных запретов: например, балета «Икар» и квартета «Антифоны», опер «Мастер и Маргарита» и «Видения Иоанна Грозного». Подверглась и смысловой «корректировке» кантата «Голос из хора» на текст Александра Блока для солистов (меццо-сопрано, баритон), хора, органа и камерного оркестра. Вместе с тем, по мнению композитора, именно с этого сочинения он начинался как самобытный композитор, в практике которого хор будет играть ведущую роль в таких крупных и традиционно не хоровых жанрах, как балет («Икар» с посвящением: «Памяти моего отца М. Л. Слонимского»). И, напротив, Слонимский создает оперные партитуры, где хор лидирует (хоровые стасимы в «Антигоне») или заменяет традиционно оркестровую преамбулу к опере (оркестровые вступления, увертюры) песней героини с хором («Виринея»). Мощными по концепции хоровыми фресками отмечал Слонимский исторические события, важные для всей страны. Например, в 2014 году с посвящением «К 70-летию окончания Второй мировой войны» родилась оратория «Час мужества» на стихи Анны Ахматовой. Подчеркнем что вокальное слово (в оратории и кантате, в опере или в камерной вокальной музыке) всегда было и остается у Слонимского важной составляющей в его много десятилетнем диалоге со зрителем – слушателем. В числе его крупных сочинений для хора, кантат и ораторий свое место заняли хоровой концерт «Тихий Дон» и ораториальная сюита «Виринея». Отдельные сочинения Слонимский пишет для разных инструментальных сопровождений хоровых составов. В том числе, например, «Хоровые игры» для детского хора, мальчика-солиста и двух ударных инструментов; «Вечерняя музыка» для хора без сопровождения (без слов) и там-тама; «Запев и позывные» для камерного хора без сопровождения; «“Песнь песней” Соломона» для сопрано, тенора, камерного хора, гобоя, валторны и арфы; хоры без сопровождения на стихи А. Пушкина, Ф. Тютчева, Б. Окуджавы, Софокла. Слонимский справедливо считает Requiem одним из самых знаковых произведений. Он говорит, что композитор имеет право обратиться к этому жанру только один раз в жизни. Requiem создавался в 2003 году для традиционного состава: солистов, смешанного хора и симфонического оркестра. Ему предшествовало написание Одиннадцатой симфонии. В заупокойной мессе Слонимского 14 частей. По сравнению с каноном в этом жанре, Реквиемом Моцарта, здесь есть некоторые отступления, важнейшее из которых – начало монументальной композиции не с Kyrie eleison, а с Lacrimosa. «Слёзная» часть, важнейшая со времен Моцарта, приобретает особую этико-смысловую роль горького прощания, жажды прощения. В силу этого композитор проводит ее дважды, повторяя в виде обрамления (№№ 1 и 14). В этой изумительной мелодии есть тончайшие переклички с аналогичным номером Реквиема Моцарта. По силе экспрессии и глубине чувств Реквиему предшествовали две работы – инструментальное Трио для скрипки, виолончели и контрабаса памяти композитора Бориса Клюзнера и «Король Лир», dramma per musica. Длительные творческие узы соединяют Слонимского с композиторами и исполнителями Москвы: не только с его коллегами-шестидесятниками (Шнитке, Губайдулиной, Денисовым), но и, в частности, с хоровиками, что успешно трудятся в Московской консерватории. Еще при жизни Б. Г. Тевлина Слонимский лелеял надежду на исполнение Реквиема с его хором. Переданные профессору ноты вдохновили этого замечательного музыканта, всегда открытого исполнению новой музыки. Судьба, однако, распорядилась по-иному, Тевлин не успел осуществить московскую премьеру Реквиема Слонимского. Замечательный мастер Л. З. Конторович представил слушателям Большого зала Московской консерватории 10 октября 2016 года удивительную музыку этой фрески. Была сделана запись, и композитор очень высоко оценил тонкость воплощения хормейстером своей молитвенной музыки. Запись диска, которая осуществлялась Консерваторией, была дополнена четырьмя хоровыми миниатюрами петербургского Мастера – две из них написаны на тексты Пушкина и тонкими нитями связаны с традициями русского романса XIX века, о котором Слонимский говорит, что это его «любимое столетие». Пушкинское слово, к которому неоднократно обращались композиторы этого столетия, золотого для художественной культуры, в музыке С. Слонимского находит свое, очень тонкое решение. Оба пушкинских хора созданы в 1977 году. Элегическая миниатюра «Если жизнь тебя обманет» открывается излюбленным Слонимским приемом – солирующий одноголосный зачин поручен сопрано. Вакхическая песнь «Что смолкнул веселия глас?» – застольная-дифирамб в честь «нежных дев и юных жён». Десятилетием ранее, в 1967 году, были сочинены две песни на народные слова – «Печальное сердце мое» (лирическая) и «Люби жену, да не бей!» (свадебная плясовая). Слова этих песен записаны Сергеем Слонимским от К. М. Дроздова в Кульинском районе Псковской области в 1965 году во время одной из фольклорных экспедиций композитора в его любимый район Псковщины, столь богатый песенными сокровищами. Песня «Люби жену, да не бей!» решена как народная игровая сценка, во время которой композитор просит певцов, чтобы группы хора были расположены в последовательности (слева направо): басы, тенора, альты. А в конце все певцы должны бить в ладоши. С. М. Слонимский – огромный мастер хорового творчества и почитатель уникальных отечественных мастеров. Что же особенно ценит петербургский мастер в хоровых партитурах? Ответ дан В. Терещенко, в интервью которому композитор подчеркнул, что «безусловной ценностью для него является примат мелодизма, линеарное полифоническое мышление, чуткое отношение к слову. К негативным тенденциям в хоровом письме композитор отнес нарочитое укрощение фактуры – сведение ее лишь к гармонической вертикали (“столбам”), ритмическую остинатность, неоправданное увлечение внешними сонорными эффектами»*. Отсюда – сама хоровая музыка Слонимского выдвигает на первый план искренность, простоту, мелодичность, высокую глубину чувств. Доктор искусствоведения, профессор Е. Б. Долинская ----------------------- * В. Терещенко. О хоровом творчестве Танеева и не только // Сергей Слонимский – собеседник. М., 2014. С. 135 Поклонники отечественной хоровой музыки получили великолепный подарок – фирма «Мелодия» совместно с Московской консерваторией инициирует издание цикла компакт-дисков «Антология современной хоровой музыки композиторов России». «Хоровая музыка – исконное лицо России, отражающая неспешно, степенно, глубоко ее мировоззрение, надежды, чаяния» – так прокомментировала музыковед Татьяна Журбинская издание первого выпуска, в который вошли духовные и светские произведения московских композиторов разных поколений – Родиона Щедрина, Романа Леденёва, Владислава Агафонникова, Валерия Кикты, Ширвани Чалаева, Ефрема Подгайца, Александра Чайковского, Толибхона Шахиди, Александра Клевицкого, Кузьмы Бодрова и др. в исполнении Камерного хора Московской консерватории. Круг авторов отражает главные творческие установки Александра Соловьёва, автора концепции издания «Антологии», стремящегося к стилевой универсальности и жанровой контрастности при выборе программ современных авторов. Второй выпуск «Антологии» – «Cанкт-Петербург. Сочинения С. Слонимского», представляет собой монографический портрет одного из классиков современной музыки – Сергея Михайловича Слонимского, творчество которого неразрывно связано с его родным городом. В записи Реквиема С. Слонимского приняли участие Симфонический оркестр Московской консерватории (руководитель – Вячеслав Валеев), Академический Большой хор «Мастера хорового пения» под управлением народного артиста РФ, профессора Льва Конторовича, Камерный хор Московской консерватории и Тульский государственный хор (руководитель хоров – Александр Соловьёв). Лев Зиновьевич Конторович в 1964 году окончил с отличием Московское государственное хоровое училище имени А. В. Свешникова, в 1969 – с отличием Московскую государственную консерваторию имени П. И. Чайковского, где занимался хоровым дирижированием у профессора К. Б. Птицы, симфоническим дирижированием у профессора Л. М. Гинзбурга и инструментовкой у А. Г. Шнитке. С 1996 года профессор Л. З. Конторович преподает в Московской консерватории; с 2012 года – заведующий кафедрой современного хорового исполнительского искусства, с 2017 – заведующий кафедрой хорового дирижирования, с 2018 – декан факультета симфонического и хорового дирижирования. С 2005 года Л. З. Конторович – художественный руководитель Академического Большого хора «Мастера хорового пения». Академический Большой хор – один из лучших хоровых коллективов нашей страны. Каждая встреча с этими прекрасными музыкантами приносит мне большую радость. Дмитрий Шостакович Академический Большой хор был создан в 1928 году, его организатором и первым художественным руководителем был выдающийся мастер хорового искусства А. В. Свешников. В разное время им руководили такие замечательные музыканты, как Н. С. Голованов, И. М. Кувыкин, К. Б. Птица, Л. В. Ермакова. В 2005 году с приходом Льва Конторовича в Академический Большой хор, коллектив получил новое название – «Мастера хорового пения». Под его руководством обновленный состав хора успешно продолжает традиции, заложенные предшественниками. Само название – «Мастера хорового пения» – предопределило профессионализм, высокий исполнительский уровень, исключительную оперативность и универсальность коллектива, где каждый артист может выступать и как участник хора, и как солист. За 90 лет творческой деятельности хор исполнил свыше 15 тысяч произведений – опер, ораторий, кантат русских и зарубежных композиторов, произведений a cappella, народных песен, духовной музыки. История Тульского государственного хора связана с именами известных композиторов и исполнителей: Вано Мурадели, Андрея Эшпая, Яна Френкеля, Галины Вишневской, Мстислава Ростроповича. Особый вклад в развитие и приумножение традиций Тульского государственного хора внес народный артист России Иосиф Михайловский, возглавлявший коллектив на протяжении четырех десятилетий, его имя ныне присвоено Тульской областной филармонии. Сегодня под управлением Александра Соловьёва Тульский государственный хор принимает участие в престижных российских и международных фестивалях федерального уровня, задействован в масштабных премьерах и знаковых культурных проектах. Главный хормейстер хора – Сергей Сидоренко, главный дирижёр – Георгий Августинович, хормейстеры: Сергей Васильев, Алексей Зайцев. «В последние годы профессиональный энтузиазм Тульского государственного хора, его заинтересованность в изучении новой музыки и, в частности, участие в исполнении Реквиема Сергея Слонимского, – свидетельствуют о серьезной и качественной работоспособности коллектива, его высоких исполнительских возможностях!» (Лев Конторович). Камерный хор Московской консерватории был создан по инициативе профессора А. С. Соколова в декабре 1994 года выдающимся хоровым дирижером современности, народным артистом России, профессором Б. Г. Тевлиным. Коллектив – победитель международных конкурсов хоров в Италии, Германии, Австрии, Польше, Латвии, России. В 2008 году запись Камерного хора под управлением Б. Г. Тевлина русской хоровой оперы Р. Щедрина «Боярыня Морозова» была удостоена престижной премии Echo Klassik‑2008 в категории «Лучшее оперное исполнение года» (номинация «Опера XX–XXI века»). С августа 2012 года художественный руководитель Камерного хора Московской консерватории – лауреат Премии Министерства обороны РФ и Правительства Москвы, профессор кафедры хорового дирижирования А. В. Соловьёв. Главное творческое направление коллектива – исполнение произведений современных отечественных и зарубежных композиторов. Основа репертуарного списка последних лет издана в сборниках «Поет Камерный хор». Главный хормейстер хора – Мария Челмакина, хормейстеры: Алексей Вязников, Тарас Ясенков. Симфонический оркестр Московской консерватории, состоящий из студентов оркестрового факультета, является гордостью alma mater. Его история началась практически одновременно с историей Московской консерватории и деятельностью Московского отделения Русского музыкального общества. Уже в те годы наиболее талантливые учащиеся-инструменталисты играли в общедоступных симфонических собраниях Императорского Русского музыкального общества под управлением Н. Г. Рубинштейна. В разные годы консерваторский оркестр возглавляли А. Мелик-Пашаев и М. Тэриан, Ф. Мансуров и А. Лазарев. За дирижерским пультом стояли такие мастера, как П. Булез, М. Ростропович, К. Кондрашин, А. Левин, Д. Китаенко, Е. Светланов и Г. Рождественский. С 2010 года во главе оркестра один из ярких учеников Г. Н. Рождественского Вячеслав Валеев, лауреат международных конкурсов, лауреат «Премии Рождественского». С 2009 года преподает на кафедре оперно-симфонического дирижирования Московской консерватории, ныне – доцент. профессор Александр Соловьёв, автор проекта «Антология современной хоровой музыки композиторов России»

Дмитрий Ситковецкий и Лукас Генюшас : “Посвящение Крейслеру и Рахманинову”

MEL CD 10 02595

2019, дата записи: 2018

буклет ---------- «Камерная музыка – одна из высших форм музицирования, она учит многому» Лукас Генюшас Общаясь с российскими и зарубежными музыкантами на протяжении многих лет, замечаешь, что некоторые темы годами повторяются из одного разговора в другой. Одна из них – выпуск новых записей: как минимум с начала 2000-х крупнейшие мировые исполнители, от дирижера Пааво Ярви и скрипача Томаса Цетмайра до виолончелиста Миши Майского и певицы Красимиры Стояновой, говорят о том, как трудно выпускать новые диски в условиях мирового кризиса звукозаписи, и тем не менее продолжают это делать. Как им это удается и для чего, если сегодня в интернете можно найти почти любую запись? На вопрос все отвечают по-разному. Для одних это возможность представить редкий репертуар, для других – надежда оставить исторический документ, для третьих – попытка зафиксировать новую интерпретацию хорошо известного произведения, для четвертых – ответ на пожелания слушателей. Этот диск не относится ни к одному из названных случаев. Его замысел родился в точке пересечения двух идей, которые не просто подвели под эту запись теоретическую базу, но воистину одухотворили ее. Первая из них – приношение двум великим музыкантам, Сергею Рахманинову и Фрицу Крейслеру: как известно, эти два титана были дружны и много лет выступали в ансамбле. Вместе они записали, однако, только три произведения из своего репертуара, три сонаты для скрипки и фортепиано: Сонату № 8 соль мажор Бетховена, Сонату ля мажор (Дуэт) Шуберта, Сонату № 3 до минор Грига. Переиздание этой легендарной записи, сделанной в 1928 году, несколько лет назад было выпущено «Мелодией». В знак любви и безграничного уважения к двум гениям Дмитрий Ситковецкий и Лукас Генюшас исполняют программу, ставшую единственной совместной записью Рахманинова и Крейслера, дополняя ее еще двумя пьесами. «Лукас замечательно играет Рахманинова, тогда как фигура Крейслера была для него во многом открытием, – рассказывает Дмитрий Ситковецкий. – А я с ними обоими как музыкант давно “общаюсь”: в 1979 году мне довелось стать победителем I конкурса имени Крейслера, и первый мой диск состоял из транскрипций, сделанных этим великим аранжировщиком. Что касается Рахманинова, его музыка постоянно окружала меня и дома, и в ЦМШ, и в Консерватории. Так случилось, что эти два гиганта, эти две огромные личности записали вместе только три сонаты. Их я играл много раз, чаще всего, наверное, Грига: еще в 1982 году вместе с мамой [пианисткой Бэллой Давидович – И. О.] мы записали все три его скрипичные сонаты. Моя же идея состояла еще и в том, чтобы Лукас записал одну из крейслеровских транскрипций Рахманинова. Из “Радости любви” Рахманинов сделал огромную пьесу, – почти фортепианный концерт! – уйдя от оригинала достаточно далеко. А “Муки любви” ближе к оригиналу, и мне показалось, что эта пара пьес, “Муки любви” и “Прекрасный розмарин”, увенчает нашу идею посвящения Крейслеру и Рахманинову: не только сонаты, которые они записали, но и их пьесы». Другая магистральная линия, ставшая основой этой записи, – давняя дружба двух семей, двух знаменитых музыкальных династий, представителями которых являются два музыканта. Дмитрий Ситковецкий – сын безвременно ушедшего скрипача Юлиана Ситковецкого и замечательной пианистки Бэллы Давидович, недавно отметившей 90-летие. Лукас Генюшас – внук и воспитанник Веры Горностаевой, выдающегося педагога и пианиста. В своей книге «Диалоги» Ситковецкий называет «ближайшей подругой буквально с колыбели» пианистку Ксению Кнорре, мать Генюшаса. Таким образом, речь не просто о встрече представителей двух династий, но о близкой – почти родственной – дружбе, которая самым естественным образом стала и творческой дружбой. «Я воспринимаю Дмитрия почти как родственника, – рассказывает Лукас Генюшас. – Мы много лет ходили вокруг идеи подобного проекта, нередко выступали вместе как дирижер и солист, а теперь записались в дуэте. Мне было очень интересно соприкоснуться с таким музыкантом, как он, постараться воспринять что-то из его огромного опыта… Как для ансамблиста программа для меня была особенно любопытной: я не играл прежде ни одно из этих сочинений. Камерная музыка – одна из высших форм музицирования, она учит многому. После ухода моей бабушки я не решился идти ни к какому другому педагогу. Но учиться никогда не перестаешь, и наш проект с Дмитрием для меня – прекрасная возможность поучиться». Исполнителю, происходящему из музыкальной семьи, особенно трудно соответствовать ожиданиям коллег и слушателей. В той же книге «Диалоги» Ситковецкий вспоминает: «…меня везде знали как сына Бэллы Давидович и великого, рано ушедшего Юлиана Ситковецкого. Это угнетало довольно-таки сильно. Мне хотелось определить, на что я способен сам». Едва ли легче было Лукасу Генюшасу, музыканту уже в четвертом поколении. Вера Горностаева вспоминала в одном из поздних интервью: «В 2016 году исполнится 100 лет нашей династии в стенах Московской консерватории. Мама была знаменитым детским педагогом, я связала жизнь с исполнительством и преподаванием, дочь Ксения Кнорре – преподаватель фортепиано в Консерватории, у нее в классе много учеников. Но мой внук Лукас Генюшас сделал самую большую карьеру из всех нас». Тем выше ответственность музыканта, о котором сказаны такие слова и за которым стоит столько выдающихся личностей, тем выше доверие к нему. И Дмитрий Ситковецкий, и Лукас Генюшас – исполнители международного класса – это доверие оправдывают. Ситковецкий – всемирно известный скрипач и дирижер, создатель многочисленных транскрипций, постоянный участник международных фестивалей, многие из которых возглавлял, основатель камерного оркестра New European Strings. Генюшас – лауреат крупнейших международных состязаний, среди которых конкурсы имени Джины Бахауэр в США (2010, I премия), имени Шопена в Польше (2011, II премия), имени Чайковского в России (2015, II премия), выступающий на лучших сценах мира. Его записи выпущены рядом крупных лейблов, среди которых и «Фирма Мелодия», издавшая сольный диск Генюшаса «Эмансипация консонанса», а также записи ряда камерных сочинений и Фортепианного концерта № 1 Шостаковича. Тем более примечательно, что у Ситковецкого это всего лишь первая запись на «Мелодии». И тем интереснее задать обоим музыкантам вопрос о том, что значат для них эта дружба семей, эта верность семейному делу. «Не думаю, чтобы это впрямую влияло на нашу игру, – отвечает Генюшас. – Но в ансамбле с Дмитрием я чувствую себя очень комфортно. В нашем общении исключены нередко встречающиеся между музыкантами пикировка, аррогантность… у нас этого нет и не может быть, что очень помогает делу». Мысль продолжает Ситковецкий: «Что значит этот бэкграунд? Он гарантирует наличие комфортной зоны, где можно заниматься музыкой безо всяких побочных эффектов. У нас нет и не может быть трений: со многими предложениями Лукаса я соглашаюсь не меньше, чем он с моими. Для меня в этом сотрудничестве очень важна связь поколений, связь наших семей, возможность работы с музыкантом, которого я знаю почти с рождения, ставшим настоящим мастером: здесь очень много связывающих элементов, чтобы не сделать что-то вместе. Мне уже заранее был чрезвычайно интересен свежий взгляд молодого музыканта на эти сочинения, а в процессе стало еще интереснее: как ансамблист Лукас превзошел мои ожидания. Я очень доволен и воодушевлен этим проектом». Илья Овчинников Человек эпохи Возрождения, обладающий магнетической творческой силой, Дмитрий Ситковецкий получил мировое признание во многих областях музыкальной жизни как успешный исполнитель, автор транскрипций, дирижер и вдохновитель необычных постановок. За свою более чем сорокалетнюю карьеру скрипач-виртуоз, обладающий колоссальным камерным репертуаром, исполнил и записал более 40 дисков со скрипичными концертами в сопровождении лучших европейских оркестров, таких как Лондонский симфонический, оркестр «Филармония», оркестр «Академии Святого Мартина в полях», Королевский Концертгебау; с такими легендарными дирижерами, как сэр Иегуди Менухин, сэр Колин Дэвис, сэр Невилл Марринер, Марис Янсонс и другими. Как солист Ситковецкий играл с самыми лучшими оркестрами мира: Берлинской филармонией, оркестрами Чикаго, Филадельфии, Нью-Йорка, Кливленда, Лос-Анджелеса, Гевандхауса, Баварского радио, симфоническим оркестром NHK, Санкт-Петербургским филармоническим, Большим симфоническим оркестром имени Чайковского, Российским национальным оркестром, Московским симфоническим оркестром и другими. Как дирижер Дмитрий стоял за пультом таких знаменитых оркестров как Лондонский и Королевский филармонические, оркестров Сан-Франциско, Миннесоты, Далласа, Шанхая, Пекина, Токио, Оркестрового ансамбля Парижа, Оркестра делла Тоскана, ГАСО имени Светланова, оркестра «Новая Россия» и т. д. В ближайшие сезоны Ситковецкий также выступит с Японским оркестром столетия (Осака), Люцернским симфоническим, Словенским филармоническим и др. В 1990 году Ситковецкий основал оркестр New European Strings (NES), собрав выдающихся музыкантов из лучших европейских ансамблей для гастрольных проектов, например, для выступления на фестивале Энеску, или записей. Этот оркестр остается его «музыкальной семьей», состоящей из музыкантов как русской так и западной школ, отражая историю жизни Дмитрия Ситковецкого. В качестве музыкального директора симфонического оркестра Гринсборо (ГСО) Дмитрий Ситковецкий провел более 100 различных концертов с такими солистами, как Бэлла Давидович, Пинхас Цукерман, Ефим Бронфман, Эмануэль Акс, Гаррик Олссон и Линн Харрелл. Кроме того, он исполнил десятки камерных программ в серии Rice Toyota «Ситковецкий & друзья», которую создал в 2004 году. В афише сезона 2018/19 серии – Барри Дуглас, Джейми Ларедо, Шарон Робинсон, Андрес Диас и Лукас Генюшас, которые будут играть как с Дмитрием, так и с лучшими музыкантами ГСО. Дмитрий Ситковецкий также принимал участие в художественном руководстве таких оркестров, как симфонический оркестр Кастилии и Леона (Artist in Residence, 2006–2009), ГАСО имени Светланова (главный приглашенный дирижер, 2002–2005), и оркестр Ольстера (главный дирижер и художественный руководитель). Умение превратить любой художественный проект в долгожданное событие, позволяет Ситковецкому участвовать в создании концепций, разработке программ и проведении фестивалей, таких как Корсхольмский фестиваль в Финляндии в 1980-х годах, Международный музыкальный фестиваль в Сиэтле и музыкальный фестиваль «Шелковый путь» в Баку в 1990-х годах, а также Фестиваль дель Соле в Тоскане. В сезоне 2018/19 Дмитрий Ситковецкий принимает участие в Транссибирском фестивале Вадима Репина в качестве главного приглашенного артиста. Ситковецкий – желанный гость многих крупнейших скрипичных конкурсов, он является членом жюри XVI Международного конкурса имени Чайковского, конкурсов в Индианаполисе, Монреале. Яркие события предыдущих сезонов включают в себя 15-й тур по Японии длительностью в месяц; дебютный TED Talk о силе любопытства; выход в свет первой книги Дмитрия Ситковецкого «Диалоги»; а также четыре аншлаговых показа мультижанровой мультимедийной постановки «Черт, солдат и скрипка» по мотивам «Истории солдата» Игоря Стравинского в Концертном зале имени П. И. Чайковского в Москве, в Мюзик-холле в Санкт-Петербурге, во Дворце Республики в Минске, в сотрудничестве с Владимиром Познером и Андреем Макаревичем. Имя Дмитрия Ситковецкого давно стало синонимом искусства транскрипции. Его знаковые транскрипции «Гольдберг-вариаций» для струнного трио и оркестра уже давно вошли в репертуар лучших музыкантов во всем мире. Вдохновленный этим безусловным успехом Маэстро создал более 50 переложений сочинений Гайдна, Бетховена, Брамса, Бартока, Чайковского, Шостаковича, Стравинского и Шнитке. В декабре 2015 года Дмитрий Ситковецкий представил в Карнеги-холле транскрипцию «Поцелуя феи» Стравинского, заказанную камерным оркестром «Орфей» (солист – Августин Хаделих), фактически добавив новый концерт для скрипки и оркестра к наследию Стравинского. Движимый стремлением разделить свою страсть к музыке с самой широкой аудиторией, Ситковецкий создал серию из 11 эпизодов для телеканала «Культура», в которых приняли участие такие выдающиеся музыканты как Евгений Кисин, Барбара Хендрикс, Миша Майский, Бэлла Давидович, сэр Невилл Марринер, Ефим Бронфман, Гэри Граффман, сэр Антонио Паппано и другие артисты. Каждая передача – беспрецедентный по откровенности и глубине разговор с давним другом и творческим соратником. Серия доступна по всему миру на medici.tv. Одним из ярких событий летнего фестивального сезона 2018 года стала мировая премьера новой транскрипции фантазии «Наварра» Сарасате, выполненная по заказу фестиваля Вербье и посвященная его 25-летию. Фантазия прозвучала в исполнении Пинхаса Цукермана, Леонидаса Кавакоса, Максима Венгерова, Вадима Репина, Лизы Батиашвили, Табеи Циммерманн, Миши Майского и самого Дмитрия Ситковецкого. Выступление звезд транслировалось medici.tv во всем мире. Лукас Генюшас родился в 1990 году в Москве в семье известных пианистов – Ксении Кнорре и Пятраса Генюшаса и уже в пять лет начал играть на инструменте. Учился в ДМШ при училище имени Ф. Шопена (класс А. Н. Беломестнова) и по окончании (2004) стал стипендиатом Благотворительного фонда Мстислава Ростроповича. Окончил Московскую консерваторию (2013) в классе своей легендарной бабушки, профессора В. В. Горностаевой, продолжил обучение в ассистентуре-стажировке. Концертная жизнь пианиста началась с раннего детства. Победитель нескольких юношеских конкурсов, обладатель наград Правительства Москвы (грант «Юные дарования XXI века», федеральная стипендия «Юные дарования»). Золотой медалист VII Молодежных Дельфийских игр России (2008). Его конкурсная история насчитывает 12 высоких наград, среди них на конкурсах имени Джины Бахауэр, имени Фредерика Шопена в Варшаве, имени П. И. Чайковского, Немецкая фортепианная премия Deutscher Pianistenpreis во Франкфурте. За последние годы Лукас дал много сольных, симфонических и камерных концертов в самых престижных концертных залах и на самых известных фестивалях по всему миру, включая Вербье, Ля-Рок-д’Антерон, Шлосс-Эльмау, «Безумные дни» в Токио, Нанте, Тель-Авиве и Екатеринбурге, «Рахлинские сезоны» и Concordia в Казани, «Летние дни» в Торонто, выступал с выдающимися музыкантами современности, среди которых Гидон Кремер, Юрий Темирканов, Валерий Гергиев, Саулюс Сондецкис, Дмитрий Ситковецкий, Андрей Борейко, Марио Брунелло, Миша Майский, Джошуа Белл, Леонард Слаткин, Павел Нерсесьян, Александр Ведерников, Квартет имени Бородина и многие другие. Вместе со своей женой, пианисткой Анной Генюшене, каждый год, начиная с 2016-го, в декабре проводит NikoFest в московской галерее искусств Niko. Записи Генюшаса с произведениями Шопена, Рахманинова, Бетховена, Брамса вышли на лейблах NIFC, Art Classic, Piano Classics и DUX. «Фирма Мелодия» выпустила сольный диск Лукаса «Эмансипация консонанса» с пьесами Десятникова, Рябова и Арзуманова (2015) и диск в дуэте с Айленом Притчиным с произведениями Стравинского, Чайковского и Десятникова (2016). В компании с пятью коллегами-пианистами Лукас принял участие в записи «24 прелюдий и фуг» Всеволода Задерацкого («Мелодия», 2016). В 2017-м вышел диск «3х3» совместного проекта «Фирмы Мелодия» и агентства Apriori Arts «Мелодия априори» с концертной записью фортепианных трио Шостаковича, Вайнберга и Равеля (вместе с Айленом Притчиным и Александром Бузловым), а также диск с Концертом № 1 Шостаковича, записанный вместе с Государственным симфоническим оркестром Республики Татарстан и Александром Сладковским. В 2018-м французский лейбл MIRARE выпустил диск с сонатами Прокофьева, который уже успел получить Diapason d’Or как «Диск января» 2019 года. Лукас принимал участие в благотворительных концертах «Встань и иди!» в помощь детям с ДЦП, фестивале «Музыка света» с незрячими музыкантами в Москве и Владимире, в специальной ежегодной серии концертов Looking at the stars для заключенных в нескольких городах Канады, считая безвозмездные выступления на концертах по сбору средств и значимых общественно-социальных мероприятиях обязанностью каждого профессионального музыканта. В сезоне 2019/20 Генюшас впервые выступит с Филадельфийским оркестром, Симфоническим оркестром Ёмиури (Япония), на фортепианном фестивале имени Ирвинга С. Гилмора (Gilmore Keyboard Festival, штат Мичиган, США) и вернется в парижский Зал Гаво с новой серией из трех концертов.

Сергей Доренский. Фортепиано

MEL CD 10 02594

2019, дата записи: 1966, 1982

Сергей Рахманинов (1873–1943) 1 «Рапсодия на тему Паганини» для фортепиано с оркестром ля минор, соч. 43 . . . . . . . . . . . . . . . 22.50 Джордж Гершвин (1898–1937) 2 «Рапсодия в стиле блюз» для фортепиано с оркестром Си-бемоль мажор (аранжировка Ф. Грофе) . . . . 16.39 Сэмюэл Барбер (1910–1981) Концерт для фортепиано с оркестром, соч. 38 3 I. Allegro appassionato . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14.27 4 II. Canzone. Moderato . . . . . . . . . . . . . . . . . 7.09 5 III. Allegro molto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7.33 Общее время: 68.43 Сергей Доренский, фортепиано Государственный симфонический оркестр Министерства культуры СССР. Дирижер – Александр Дмитриев (1, 2) Государственный симфонический оркестр СССР. Дирижер – Виктор Дубровский (3–5) Записи: 1982 (1, 2), 1966 (3–5) гг. Звукорежиссеры: С. Пазухин (1, 2), И. Вепринцев (3–5) Редактор – Полина Добрышкина Ремастеринг – Максим Пилипов Дизайн – Ильдар Крюков Перевод – Николай Кузнецов Фото: Евгений Башмаков, Евгений Евтюхов «Фирма Мелодия» представляет запись фортепианных концертов ХХ века в исполнении Сергея Доренского. Екатерина Мечетина, заслуженная артистка России: «Этот диск представляет огромный интерес для меломана с нескольких точек зрения. Во-первых, сама личность Сергея Леонидовича Доренского – не только пианиста-виртуоза, наследника самых значительных традиций русской фортепианной школы, но и великого педагога, создавшего мощную ветвь русского пианизма, носящую имя «класс Доренского», обладает необыкновенным магнетизмом и обаянием. Во-вторых, меломану довольно нечасто доводится услышать концерт Барбера в исполнении русского пианиста – это сочинение не входит в традиционный репертуар, однако представляет значительный интерес, и я слышу в нем явное влияние великого Прокофьева». Еще в 1966 году Сергей Доренский включил в свой репертуар фортепианный концерт выдающегося американского композитора Сэмюэля Барбера. Он первым в нашей стране исполнил это сочинение, с успехом прозвучавшее в США и Европе. Всеволод Задерацкий, доктор искусствоведения, профессор Московской консерватории: «Концерт Сэмюэля Барбера в представленном на диске собрании сочинений – подлинное открытие для современного российского слушателя. Если Рапсодии Гершвина и Рахманинова постоянно встречаются на филармонических афишах, то концерт Барбера никогда. Вместе с тем, это произведение – подлинная вершина американской музыки первой половины минувшего века и одна из вершин концертного жанра в мировом собрании шедевров». В трактовке Доренского концерт прозвучал «неожиданно русским по аромату… в блестящем виртуозном стиле». Скрытые «русские» корни, влияние романтического пианизма Рахманинова и Горовица на сочинение американского автора, отраженные в интерпретации Доренского, придают ей особый интерес. Николай Луганский, народный артист России: «Переиздание записей моего дорогого учителя Сергея Леонидовича Доренского – огромный подарок для всех любителей музыки. Сама идея диска очень любопытна – музыка американского композитора Барбера, американского композитора с русскими корнями Гершвина; и музыка великого русского композитора Рахманинова, отмеченная несомненным влиянием культуры Нового света, – все это, записанное советским пианистом! Интереснейшее сочетание – удивительный отголосок всегда парадоксальных российско-американских отношений!..». В 1982 году Сергей Доренский записал на одну пластинку «Рапсодию на тему Паганини» Сергея Рахманинова и «Рапсодию в стиле блюз» Джорджа Гершвина. В исполнении этого замечательного музыканта оба произведения обретают неожиданное сходство. Не секрет, что полнозвучные «волны-кульминации» в рапсодии Гершвина обнаруживают явное влияние старшего русского коллеги. С другой стороны, Рахманинов как чуткий художник не мог игнорировать «бурный кипящий котел» американской музыки, в которой джаз господствовал безраздельно. Сознательно или нет, Рахманинов принимает саму суть джазового стиля – сочетание строгой схемы и почти неограниченной свободы высказывания – за основу своего сочинения. Денис Мацуев, народный артист России: «Я очень рад, что «Мелодия» выпускает эту пластинку, так как искусство Сергея Леонидовича Доренского, к сожалению, подзабыто в современной звукозаписывающей индустрии. Он закончил выступать на большой сцене достаточно давно, потому что в какой-то момент сделал выбор в пользу преподавания. В итоге вторую половину своей жизни он посвятил своим ученикам. И сейчас школа Доренского звучит по всему миру. До сих пор любую новую программу я сначала играю профессору, потому что его по-отечески мудрые советы – всегда в точку, взгляд со стороны – всегда объективный и беспристрастный, а одобрение придаёт уверенности. Без его благословения я на большую сцену новую программу не выношу. Это закон и для меня, и для других учеников, таких, как, скажем, Николай Луганский… Я прекрасно знаю записи Сергея Леонидовича Доренского «Рапсодии на тему Паганини» С. Рахманинова и «Рапсодию в стиле блюз» Дж. Гершвина. Я по ним практически учился. Но концерт Сэмюэля Барбера для меня самого – абсолютное открытие. Я, безусловно, знал, о нём, но после прослушивания записи Сергея Леонидовича, просто влюбился в эту потрясающую музыку, к сожалению, не так часто играемую. Барбер – удивительный американский композитор, самородок с особенным мелодизмом, ритмическим колоритом, и мелодическим рядом. Доренский по-хорошему заражает своей интерпретацией этого концерта». Профессор и многолетний декан фортепианного факультета Московской консерватории, председатель и член жюри престижных международных конкурсов Сергей Доренский (р. 1931) являет собой редкий пример активного творческого долголетия. Сегодня он известен как педагог, ученики которого поддерживают мировую славу российской фортепианной школы (Н. Луганский, Д. Мацуев, Е. Мечетина, А. Писарев, В. Руденко, А. Штаркман, В. Корчинская-Коган, П. Нерсесьян и многие другие). Однако исполнительское творчество Сергея Доренского представляет собой оригинальную страницу в общей картине отечественной фортепианной школы. Цифровое издание будет доступно в iTunes, Apple Music и других площадках.

Загоринский, Стин-Ноклеберг. Концерты Баха и Вивальди

MEL CD 10 02592

2019, дата записи: 2018

буклет ------------- ТАЙНЫ ПЯТИ КОНЦЕРТОВ Первая половина XVIII столетия – «золотой век» музыки в немецких и итальянских землях. В условиях мирного и размеренного течения времени, отсутствия глобальных военных конфликтов нравы смягчались, а спрос на прекрасное возрастал. Сегодняшние артисты могут позавидовать не только контрактам своих коллег той далекой поры и своеобразной системе их социальных гарантий, но и сáмому настоящему культу, которым было окружено современное искусство. Пение оперных див и кастратов ценилось по высшей категории (где-то на уровне нынешних звезд спорта и поп-культуры) – в инструментальной же музыке было принято придерживаться принципов «коллективной игры»: бóльшая часть сохранившегося репертуара представляет собой произведения для больших и малых ансамблей, где выступавшие время от времени на «авансцену» солисты были «первыми среди равных». Завершив исполнение эффектных пассажей, виртуоз никогда не отправлялся «на покой», наподобие героев романтической концертной эстрады, а присоединялся к игре своих коллег по ансамблю, занимал место в их строю. Это волнующее действо, ритуал публичного общения мастеров музыкального цеха, и называлось в те далекие времена «концертом». Каждое из подобных выступлений вызывало ажиотаж, возбуждало сильнейшие страсти и вместе с тем демонстрировало образец гармоничных отношений между людьми, чьи нравы сформировались под благотворным воздействием гармонии божественной. Среди многообразных форм позднебарочного концертирования на первый план постепенно выходят сочинения для одного солиста – флейтовые, гобойные или, чаще всего, скрипичные концерты. Начало этому жанру положили венецианские струнники рубежа XVII–XVIII веков, классические же опусы опубликовал прославленный в то время (и забытый после смерти почти на два столетия) «рыжий священник» Антонио Вивальди. Лучшие выдумки этого неистощимого фантазера от музыки сегодня не просто известны – они вошли в фонд массовой культуры и заняли там прочное место в качестве бойких звуков рекламы, фрагментов саундтреков, стильно аранжированных «ковриков» и доставучих рингтонов. Как нетрудно догадаться, за несколькими известными мелодиями скрывается обширное наследие композитора. Бóльшую его часть составляют сольные скрипичные концерты, созданные Вивальди, эгоцентриком по натуре, главным образом для любимого себя. Концерты для иных инструментов всегда сочинялись в расчете на конкретных музыкантов, как знак особых личных и профессиональных отношений. Так, произведения для такого раритета, как виола д’аморе (“AMore”), написаны для любимой ученицы Вивальди в Оспедале-делла-Пьета Анны Марии (ей же предназначались и некоторые из концертов для скрипки). Но кто был адресатом двух десятков гобойных, тридцати семи фаготовых (!) или, наконец, двадцати семи виолончельных концертов, остается лишь гадать. Судя по музыкальному стилю (иных оснований для умозаключений у нас не имеется), представленные в этом альбоме виолончельные концерты относятся к разным периодам творчества Вивальди. Ля-минорный RV 422 был создан, по всей видимости, еще сравнительно молодым автором. С самого начала в нем много пафоса, подлинно барочных страстей и жестов – музыка быстрых разделов заставляет наши сердца биться учащенно; соло концертирующей виолончели в медленной второй части подкупает сдержанным благородством. Но приемы письма, к которым прибегает Вивальди, здесь еще порой элементарны, а современному исполнителю – не привыкшему быть «первым среди равных» – краткость сольных разделов может показаться слегка досадной. Наиболее вероятным претендентом на роль исполнителя произведения считается Джакомо Танески, самый известный из виртуозных виолончелистов в Венеции начала века. Соль-мажорный RV 413 принадлежит перу уже скорее зрелого мастера. Партия концертирующего инструмента здесь более протяженна мелодически и существенно более изобретательна, фактура – разнообразнее, чем в более ранних опусах. Кажется, что мы слышим не звучание инструмента, а чуть сиплый человеческий голос, с его уникальным теплом; при этом одного взгляда в партитуру достаточно, чтобы оценить заботу Вивальди о «концертисте»: всякий раз, когда тот произносит свои ключевые реплики, коллеги почтительно замолкают или отступают на второй план. Известный виолончелист Антонио Вандини, в начале двадцатых годов непродолжительное время преподававший в Пьете, не имеет конкурентов на роль предполагаемого адресата этого музыкального приношения. Удивительно, но великие клавирные концерты Баха остаются, после множества научных исследований и специальных публикаций, не менее таинственными, чем сравнительно мало известные работы Вивальди. «Опус» из шести сочинений (BWV 1052–1057) – в совершенно новом для своей эпохи жанре (ведь клавесин, с его достаточно тихим звуком, по традиции исполнял в барочном ансамбле партию континуо) – Бах мыслил как собрание, сопоставимое с более ранними Бранденбургскими концертами, пьесами, призванными показать разнообразие подходов к концертированию «нескольких инструментов». Перед началом ре-минорного BWV 1052 помещен обычный для партитур композитора призыв J.[esu] J.[uva] («помоги, Иисусе!»); рукопись последнего из шести произведений завершается знаменитым S[oli] D[eo] G[loria]. Хранящийся ныне в Берлинской государственной библиотеке манускрипт датируют примерно 1738 годом, однако цель его создания, как и обстоятельства, связанные с исполнением клавирных концертов, покрыты мраком. (Ровно в том же году Гендель издает первое собрание органных концертов – уж не вознамерился ли Бах бросить вызов своему бывшему соотечественнику?) Черновая рукопись, по-видимому, так и не была впоследствии переписана набело (для преподнесения какой-нибудь знатной особе с надеждой на покровительство, как это было принято в старину). Поездка Баха в Дрезден, из которой тот возвратился 22 мая 1738 года, считается наиболее вероятным поводом к созданию цикла из шести сочинений, но не исключено, что их ранние версии могли прозвучать еще в начале тридцатых, в концертах возглавляемой Иоганном Себастьяном лейпцигской Музыкальной коллегии: оркестровые партии BWV 1052 были переписаны с некоей целью Карлом Филиппом Эмануэлем, вторым по старшинству из сыновей композитора, еще в 1734 году. Предыстория этих (а также ряда других) баховских клавирных концертов хорошо изучена. Все они являются транскрипциями – обычно, переработками более ранних концертов для мелодических инструментов. Считается, что последние были созданы еще в Кётене, а затем, в первые лейпцигские годы творчества Баха, их отдельные части использовались в качестве инструментальных номеров («симфоний») в составе церковных кантат. Этот факт (тоже, впрочем, недоказуемый из-за отсутствия в нашем распоряжении соответствующих кётенских манускриптов) нисколько не снижает художественную ценность получившихся клавирных пьес. Напротив, внимательный исследователь баховской композиционной рукописи может наблюдать увлекательнейший процесс – поиски наилучшего способа преобразовать скрипичный либо гобойный концерт в клавесинный. Самый простой метод в подобных условиях – передать партию мелодического инструмента в правую руку клавириста, а в левой аранжировать басовую линию. Но для того чтобы вывести – впервые в музыкальной истории! – скромный до тех пор, аккомпанирующий инструмент на первый план, надо было поработать над оркестровой фактурой, убрать в сольных разделах буквально всё лишнее. Возможно, только в случае с BWV 1052, обдуманно помещенном в «опусе» на престижной первой позиции, Бах имел дело с таким виртуозным первоисточником (скрипичным концертом, сопоставимым по своей сложности с наиболее амбициозными произведениями Вивальди), который уже сам по себе гарантировал концертирующему клавесину абсолютное главенство в партитуре: помимо всего прочего, первую часть украшает выписанная каденция солиста. Но и в ля-мажорном BWV 1055 клавирист настолько уверенно берет бразды правления в свои руки – с самых первых тактов, уже в оркестровом ритурнеле, – что былой консенсус ученых о происхождении этого произведения от не сохранившегося концерта для барочного гобоя д’аморе (альтовой разновидности инструмента, транспонирующей in A) ныне распался. Уж не «оркестровал» ли Бах здесь некое сольное клавирное произведение, наподобие знаменитого Итальянского концерта, украсив его всем блеском звучания большого струнного ансамбля? В отсутствие сохранившихся партитур-предшественников у этого стройного шедевра – в том числе, и среди инструментальных номеров церковных кантат композитора – мы можем пойти в своих фантазиях еще дальше и вообразить себе почти невозможное – ситуацию, при которой Бах изначально, «с чистого листа», создал концерт для клавира с оркестром… В чем, однако, нет ни малейших сомнений, так это в том, что представленные в альбоме записи доставят наслаждение множеству слушателей. Эйнар Стин-Ноклеберг и Александр Загоринский сотрудничают с 2002 года, часто выступают вместе. В данном случае они концертируют поочередно, словно уступая друг другу право сольного высказывания. Подобный союз мастеров как нельзя лучше соответствует практике барочного музицирования, его глубокому этическому смыслу. В результате их заочного соревнования (напомню, что именно этим словом можно перевести на русский язык итальянское concerto) побеждает дружба, а выигрывает музыка. Роман Насонов Александр Загоринский – известный российский виолончелист. В 1986 году окончил Московскую консерваторию. Ученик профессора Н. Н. Шаховской, лауреат всесоюзного (1985) и международных конкурсов, в том числе IX Международного конкурса имени П. И. Чайковского, с 2018 года – профессор. В репертуаре виолончелиста музыка четырех столетий: шедевры европейского барокко, концерты Гайдна, Шумана, Сен-Санса, Дворжака, Шостаковича, сонаты и ансамбли Бетховена, Брамса, Франка, Грига, Рахманинова, Дебюсси, Мессиана, Тансмана, Корнгольда, сочинения современных композиторов. При жизни Эдисона Денисова записал все его камерные виолончельные сочинения и виолончельный концерт, получив высокую оценку автора. Тесная творческая дружба связывает А. Загоринского с замечательным джазовым композитором и пианистом Николаем Капустиным, многие сочинения которого исполнены и записаны им в ансамбле с автором. Записи Александра Загоринского выходят на таких музыкальных лейблах, как «Мелодия» Delos и Naxos (США), Etcetera (Голландия) и др. С 2002 года постоянно играет в дуэте с выдающимся норвежским пианистом Эйнаром Стин-Ноклебергом. Александр Загоринский удостоен звания «Заслуженный артист России» и ордена Дружбы. Эйнар Стин-Ноклеберг – один из крупнейших норвежских музыкантов современности. Президент Международного общества Грига, председатель Международного конкурса исполнителей и композиторов имени Грига в Осло, он осуществил полное собрание записей фортепианной музыки великого норвежского композитора (издано фирмой Naxos Records), получившее широкое международное признание. Его исполнение концерта Грига с Лондонским симфоническим оркестром, по мнению BBC Saturday Review, было признано лучшим за всю историю записей этого произведения. Профессор Эйнар Стин-Ноклеберг выступает и дает мастер-классы по всему миру и участвует в жюри крупнейших международных фортепианных конкурсов. Дискография пианиста, включающая в себя произведения классиков норвежской и европейской музыки, насчитывает более 50 компакт-дисков, а его книга «На сцене с Григом» переведена на многие языки мира. Стин-Ноклеберг был дважды удостоен премии Грига, он произведен в рыцари Ордена св. Улафа королем Норвегии за выдающиеся заслуги в развитии норвежского искусства. Заслуженный артист России Александр Лоскутов – выпускник Челябинского музыкального училища и Петрозаводской консерватории имени А. К. Глазунова (по классу скрипки профессора К. И. Векслера). Лауреат Международного конкурса Pietro Argento в Италии (2013). Работа в Вологодской областной филармонии и в музыкальном училище привела музыканта к мысли о создании в городе камерного оркестра. Вначале это был самодеятельный ансамбль при городском Доме учителя. А в 1990 году был образован Камерный оркестр Вологодской филармонии, который сразу стал высокопрофессиональным, постоянно расширял свой репертуар и завоевал заслуженное признание далеко за пределами родного города. Параллельно с дирижерской деятельностью А. Лоскутов успешно выступает с камерными программами. За четверть века Камерный оркестр Вологодской филармонии гастролировал в городах России и за рубежом, участвовал в международных фестивалях в Финляндии, Болгарии, США. Было подготовлено более 300 программ, впервые в России прозвучали сочинения П. Цильхера, А. Лурье, В. Сильвестрова, партитуры вологодских авторов М. Бонфельда, М. Гоголина, В. Вахрушева. С Камерным оркестром Вологодской филармонии выступают известные российские и зарубежные музыканты: пианисты Даниил Крамер, Юрий Мартынов, Ирина Чуковская; скрипачи Алёна Баева, Маринэ Яшвили, Илья Иофф, виолончелисты Владимир Тонха, Александр Бузлов; камерные ансамбли: дуэт Александра Загоринского и Эйнара Стин-Ноклеберга, «Концертино», Musica petropolitana и многие другие. За активную просветительскую и творческую деятельность Камерный оркестр был удостоен Государственной премии Вологодской области. КАМЕРНЫЙ ОРКЕСТР ВОЛОГОДСКОЙ ГОСУДАРСТВЕННОЙ ФИЛАРМОНИИ ИМЕНИ В.А. ГАВРИЛИНА Художественный руководитель и дирижер Заслуженный артист России Александр Лоскутов Первые скрипки Ольга Медведева Екатерина Новосёлова Виктория Шелепина Вероника Алексеенко Вторые скрипки Ольга Ананьева Кристина Сайкина Нина Попова Альты Любовь Юдина Анна Азарова Юлия Пантина Виолончели Заслуженный артист России Олег Наумов Анна Уланова Ольга Давыдова Контрабас Сергей Соколов