9 дней
О сайте
376317 комментариев
6 | MEL CD 10 02432 (2 CD) 2016, дата записи: 2015  |
| Буклет |
3 | MEL REC 10 02428 2016, дата записи: 2014, 2015 |
| В девяти композициях, представленных на диске, исполнители последовательно ведут слушателя от эмоции к эмоции, изменяя состояние души, искусно связывая плотным, насыщенным звуком ударных инструментов контрастные произведения в единое, гармоничное целое. Альбом, который вы держите в руках, – это своего рода эксперимент, позволивший отойти от уже освоенных и «растиражированных» приемов использования ударных и попробовать их в новых амплуа. Прослушав произведения, приходишь к стойкому ощущению, что композиции записаны для собственного удовольствия и музыканты преподносят слушателям по-настоящему хорошую, новую музыку. Сергей Шамов родился в 1981 году в Москве. Уже в детстве, используяв качестве ударных инструментов кухонную утварь и стеклянную посуду, устраивал импровизированные «концертные выступления», вызывавшие восторг родственников и случайных зрителей. Сергей продолжил свой музыкальный путь, окончив «с отличием» знаменитую «Мерзляковку» (Академическое музыкальное училище при Московской консерватории), а затем Московскую консерваторию им. П.И. Чайковского и аспирантуру (2008 г.), являлся стипендиатом благотворительного фонда Элины Быстрицкой в поддержку искусства и науки, а также фонда «Ян Стенбек для искусства». Музыканту удалось, казалось бы, невозможное – он совместил активную концертную деятельность в России и за рубежом с научными изысканиями. В 2010 г. выпустил монографию «Музыка–действие. Ударные инструменты и театральная эстетика МХТ начала ХХ века» и успешно защитил диссертацию по теме ударных инструментов, получив степень кандидата искусствоведения. С 2011 г. преподает в Московской государственной консерватории. С 2000 г. Сергей ведет регулярную концертно-исполнительскую деятельность. В 2002–2003 гг. в качестве концертмейстера он руководил группой ударных инструментов в международном симфоническом оркестре «Metro Philharmoniс». С 2007 г. работает артистом оркестра группы ударных инструментов Национального Академического оркестра народных инструментов России имени Н.П. Осипова. Являлся приглашенным солистом-музыкантом-исполнителем группы ударных инструментов в оркестрах под управлением В. Андропова, Ю. Башмета, Э. Грача, В. Зивы, Ф. Кадены, П. Когана, К. Кримца, Т. Курентзиса, Л. Николаева, П. Овсянникова, К. Орбеляна, С. Политикова, В. Полянского, В. Понькина, М. Рахлевского, С. Скрипки, Дж. Шпигельмана и др. Как солист оркестра и участник ансамблей неоднократно гастролировал с концертами в городах России, странах СНГ и дальнего зарубежья, в том числе в США, Австрии, Англии, Италии, Франции, Финляндии, Германии, Голландии, Бельгии, Хорватии, Венгрии, Северной Корее, Китае, на Кипре, в Греции, Словении, Турции, Литве, Латвии, Польше, Молдавии, Украине и др. Сергей Шамов – первый российский исполнитель, успешно представивший экзотический инструмент современных эстрадных перкуссионистов кахон (cajon) на лучших академических сценах России. Известный современный испанский композитор и музыкант Омар Акоста выбрал Сергея Шамова для премьерного исполнения в России Концерта для кахона с оркестром. В 2012 г. мировой лидер в производстве уникальных кахонов Марио Кортес (Mario Cortés\Mario Cortes Cajones) создал для Сергея Шамова именную модель, относящуюся к «флагмановской» линейке King III, Special Sergey Shamov Edition. Сергей Шамов – первый исполнитель в России ряда сложных оригинальных произведений для ударных современных авторов Н. Розауро, Н. Копецки, О. Акосты. В совместных музыкальных проектах исполнитель сотрудничает со многими талантливыми музыкантами, ведущими артистами театра и кино, участвует в студийной и концертной работе в качестве сессионного барабанщика и перкуссиониста. Павел Новиков – талантливый мульти-инструменталист, играющий на бансури, ковале, курае, турецком нейе, турецком кларнете, шенае, индийском и иранском сантуре, классической гитаре, табла, дарбуке, вибрафоне и других инструментах, начинал свои первые музыкальные занятия со знакомства с классической европейской музыкой с игры на классической гитаре и ударных инструментах. А после окончания обучения в Саратовской консерватории Павел Новиков, выступая с разными музыкальными проектами, изучал азиатские народные духовые инструменты. Затем начал заниматься классической северо-индийской музыкой (Хиндустани) и, получив грант от индийского правительства, продолжил свое обучение в Индии в музыкальном университете Дели (Shriram Bharatiya Kala Kendra). Там он встретил своего учителя Харш Вардана, того, кто в Индии называется учителем на всю жизнь, и у которого он поныне занимается постижением северо-индийской флейты бансури. Павел Новиков на высочайшем профессиональном уровне соединяет традиции восточной и западной культур. Лауреат конкурса молодых исполнителей, проводимого в рамках фестиваля «Усадьба Jazz» в номинации «Лучший исполнитель» (премия «Стеклянный кирпич») и XIV Международного фестиваля «Джазовая провинция», участник различных йога-фестивалей в России и за рубежом (на которых он известен под именем Правин). Кроме концертной деятельности Павел Новиков регулярно ведет мастер-классы по технике открытия голоса, исполнения мантр (санскрит, гурмукхи и т.д.), музыкальной импровизации, медитации и воздействия вибраций на человеческое сознание, организм и сопровождает мастер-классы по кундалини-йоге. Борислав Струлёв – выдающийся виолончелист исключительного темперамента и техники, музыкант безудержной энергетики и драйва, один из первых музыкантов, начавших исполнять джаз на виолончели, живет и работает между Нью-Йорком и Москвой. В качестве солиста дебютировал в Карнеги-холле в 1999 году – играл с легендарным пианистом Байроном Дженисом, а также был специальным гостем на торжестве, посвященном Оскару Петерсону. Высокий авторитет музыканта, экспериментатора и лидера позволили Бориславу стать музыкальным директором международного музыкального фестиваля BelgorodMusicFest, «Борислав Струлёв и друзья», ежегодного мероприятия «День России» в Нью-Йорке и Гильдии финансистов России. Борислав Струлёв – универсальный мультистилист, ренессанс-мэн, исполнивший практически весь классический репертуар для виолончели и объездивший с ним все уголки планеты – сегодня представляет музыкальному миру свое видение сплава классики, crossover, джаза, танго и даже рэпа – стильный, качественный фьюжн, на грани эпатажа. Александр Муравьёв – выпускник Российской академии музыки им. Гнесиных по классу контрабаса (проф. А.А. Бельский), победитель многочисленных конкурсов: бас-гитаристов «БараBASS», XI Международного конкурса «Виртуозы гитары» в номинации «бас-гитара соло», Московского областного открытого конкурса композиции им. С.С. Прокофьева, V Международного конкурса музыкантов исполнителей и композиторов «Романтизм: истоки и горизонты» памяти Е.Ф. Гнесиной, I Международного конкурса композиторов, посвященного 140-летию Сергея Кусевицкого. Сотрудничает с различными симфоническими оркестрами, музыкальными и драматическими театрами, а также музыкальными коллективами, играющими в различных стилях, начиная от классической и концептуальной, заканчивая популярной музыкой. Является автором и исполнителем собственных музыкальных произведений для контрабаса и бас-гитары соло. Айдар Гайнуллин – баянист с мировым именем, известный вокалист и композитор, академик кинематографических искусств, заслуженный артист Республики Татарстан, обладатель национальной кинематографической премии «Ника» и национальной премии кинопрессы и кинокритики «Белый слон» за музыку к фильму Ивана Вырыпаева «Эйфория». Обладатель кинопремии XX Открытого Всероссийского кинофестиваля «Кинотавр» (Сочи–2009) в номинации «Лучшая музыка к фильму» (фильм Ивана Вырыпаева «Кислород»). Лауреат 18 международных конкурсов баянистов и аккордеонистов, в том числе «Кубок мира» (Лондон–2001). Музыка в исполнении Айдара Гайнуллина звучит в лучших концертных залах мира: в Большом зале Берлинской филармонии, залах Гаво (Париж), Вигмор (Лондон), Концертгебау (Амстердам), Кеннеди-центре (Вашингтон), Московском международном Доме музыки, Государственном Кремлевском дворце и т.д. Айдар Гайнуллин вписан в «Золотую книгу талантов России» имени президента РФ, музыкант стал стипендиатом фондов Мстислава Ростроповича, Фридриха Липса, «Русское исполнительское искусство», лауреатом российского фонда культуры и международной ассоциации фондов мира «Новые имена». Айдар награжден орденом почетного члена Каунасской консерватории (Литва), орденом «Молодое дарование России» и премией «Лучшие из лучших». Высокий уровень мастерства, особый исполнительский стиль Айдара Гайнуллина, уникальная и разносторонняя одаренность этого молодого музыканта (он не только баянист, но также композитор и вокалист) неизменно вызывают интерес у публики и профессионалов. Ансамбль «Эйфория» создан Айдаром Гайнуллиным в 2010 г. Выступая в самых престижных концертных залах, а также на центральных каналах российского телевидения ансамбль покорил многомиллионную аудиторию. В состав ансамбля входят лучшие музыканты, лауреаты международных конкурсов Полина Кондраткова (фортепиано), Павел Новиков (бансури), Светлана Безотосная (скрипка), Роман Зорькин (гитара), Александр Муравьёв (контрабас), Сергей Шамов (ударные). Репертуар ансамбля органично сочетает фламенко, танго, латино и музыку к кинофильмам, насыщенную современным звучанием и мощной энергетикой. Высокий профессионализм и яркий артистизм обеспечивают коллективу неизменный успех у публики. Ансамбль выступал в Московском международном Доме музыки, Государственном Кремлевском дворце, Концертном зале Берлинской филармонии, Концертном зале им. П.И. Чайковского и др. Ансамбль молодых солистов оркестра имени Н.П. Осипова Весной 2011 г. в составе Национального академического оркестра народных инструментов России имени Н.П. Осипова был создан ансамбль молодых солистов оркестра. В него вошли молодые яркие исполнители, лауреаты всероссийских и международных конкурсов. За время своего существования коллектив ярко заявил о себе на многих культурных мероприятиях России и зарубежья. Ансамбль активно участвует в мастер-классах в рамках гастрольных поездок оркестра имени Осипова. Музыкальность, безупречное чувство стиля, профессионализм, виртуозность – вот те отличительные качества, которые присущи молодым виртуозам оркестра. Концертные программы коллектива рассчитаны на самый взыскательный вкус и сочетают в себе произведения различных эпох, жанров и стилей. Михаил Островский (Coma Soul) – музыкант, композитор, автор электронного проекта Coma Soul, фронт-мэн и автор инди-группы Beat of Silence, саундпродюсер нескольких музыкальных коллективов и ряда кинопроектов. Его работы всегда обладают индивидуальным и узнаваемым звучанием. Создает музыку в собственной студии звукозаписи BIT-OFSOUND Production. Роман Зорькин – гитарист, лауреат всероссийских и международных конкурсов в России, Израиле и Германии, он завоевал серебряную медаль на IX Молодежных Дельфийских играх, стал победителем I Всероссийского музыкального конкурса (2013), конкурса им. Орехова и обладателем Гран-при конкурса «Золотой век гитары» (2015). Окончил музыкальное училище им. Гнесиных (класс лауреата международных конкурсов А.В. Бардиной), затем РАМ им. Гнесиных (класс заслуженного артиста России Н.А. Комолятова). За годы учебы стал стипендиатом Правительства Москвы, фонда «Молодые дарования России», лауреатом премии Министерства образования и науки РФ. Принимал участие в мастер-классах знаменитых гитаристов: Зорана Дукича, Павла Штайдла, Дэвида Рассела, Рикардо Гальена и Альваро Пьерри. |
2 | М40 48209 005 1988, дата записи: 1987 |
| Сторона 1 — 19.42 Протяните друг другу озябшие руки… В кафе осеннем белокурый Дарюс… Просыхает земля… Я прощаюсь с зимой Вышла мать на балкон Зимняя лоза Разбитая амфора Ветер с моря все глуше… Флоренция, 1300 год Исцелитель березы и лекарь сосны… Прекрасный дворник С. Якунин В музее Тропинина Старый Каунас Аве Мария Оставьте письмо в белоснежном конверте… С ума сойдешь, какая всюду осень… Не покидай меня, бессмертный голос… Сторона 2 — 21.03 Это музыка Осенних лесов позолота Я в летнем саду различила поодаль дыханье… Над сонным вокзалом Над древним островом Я не ищу на свете… Медовый месяц Береза пела статью лебединой… Я позвоню тебе с вокзала… Из войны Почуяв святое волнение… Офелия и Гамлет Как я хочу в ненастный невский город… Помню Москву Ты сорви мне пунцовую кисть Моя звезда Полынь Мы с тобой запропали в страну… Луна идет по следу Ноябрьский снег Звезда Магдалина Магия красок старинных портретов… В барабане под кожей пульсирует сердце Звукорежиссер Т. Страканова. Редактор Н. Кислова. Художник А. Терехов. Фото В. Шагова Все началось со звука, томительного и изнуряющего, преображающего сознание и не дающего вернуться в сладкое состояние бездумья и сна. Много лет спустя бабушка объяснила мне, что так бывает со всеми. В это время с глаз младенца спадает дымка неведенья и беззаботности, зрение обретает желанное качество любопытства, а слух — осмысленное, уже навсегда, восприятие движения мира. В этот момент ребенок становится человеком и, еще не научившись ходить, вступает на единственную дорогу своего Я, на великий и тернистый путь личности, где все важно и неповторимо, где квадратный свет становится окном, а звук музыкой, и теперь еще не забытой музыкой старого московского дворика моего детства, моей юности, памяти, жизни. Теперь говорят — микрорайон, и представляются разрозненные и в чем-то одинаковые паруса суперзданий, одиноко или кучно реющие над пустырями, когда-то бывшими полем или лесом, окраинной деревушкой или дачным поселком. Но для меня в слове микрорайон до нежности важна только первая часть — микро. Что-то маленькое, близкое, что хочется взять в ладони, от чего-то укрыть, спрятать, защитить. Я давно заметила, что любой, и особенно старый московский, дворик, как музыкальная шкатулка ручной работы, владеет только своей гаммой звуков, своей мелодией, своими постоянными слушателями ценителями, кажется, давно надоевшего всем мотива, но стоит мне только услышать «Плющиха», и тут же — «Все началось со звука, томительного и изнуряющего»…— и тут же цветаевское — «Вершина соблазна»… Как это точно — вершина соблазна — услышать, пересказать, донести, поделиться! Не здесь ли предопределяющее всего нашего мукотворчества, решимости, страха, радости совпадения, надежды на понимание и ожидания счастья, окрыляющего нас ответного чувства. По-видимому, так и безвозвратно поэзия овладевает душами человеческими, входит в сердца, чтобы там навеки поселиться, как однажды поселилась в моем. Поэзия сродни телепатии. Да-да, поэзия — это передача мысли, облаченной в слово, сокровенных токов души на расстояние, это доверие ко многим людям, и прежде всего к современнику. Стихослово, при всей своей открытости, обращенности в мир, всегда глубоко индивидуально, сокровенно. В этом магия поэзии… Сделаны хорошие переводы Есенина на французский язык, существуют живые, эмоциональные переводы Лорки на русский, и все равно — есть сокровища поэтического сердца, принадлежащие только его родному языку. Когда я прочитала «Романс об испанской жандармерии», я почувствовала шелест черного вихря у себя над головой, ощутила холод страшной опасности, нависшей над родиной поэта в годы фалангисгского лихолетья. Но только лишь ощутила, лишь немного приблизилась. Меня сковывал перевод, и я решила изучить испанский язык, чтобы проникнуть в поэтическую галактику Лорки. Читая строки поэта в подлиннике я поняла, что черный рог быка, разорвавший живую трепетную плоть его друга — тореро,— это символ зла, выступающий не на равных в жизненном поединке. Поэт — вечный тореадор, его красный плащ — обнаженное, бесстрашное сердце Данко. То, что настоящие поэты бессмертны — не пустые слова. В последнее время много думаю о другом своем любимом поэте Ольге Берггольц. Кажется, что общего между нею и романтически-страстным, мечтательным певцом Кордовы и Севильи? А то, что оба этих дорогих мне человека, ценившие жизнь за ее нестареющую красоту, связанные с ней тысячью нитей, имевшие друзей и любимых, в грозный час испытаний оказались способными на смелость и самоотверженность, на высокий гражданский подвиг. Это редкий дар их светоносных душ, отданный Родине, людям. Нежность и мужество, слабость и величие духа — все это одно, глубоко личное и общее от первого вздоха и до последнего света,— не перестают покорять меня у подножья вершин, где царствуют несгорающие звезды поэтических имен. И хочется до боли и страха хотя бы приблизиться, хотя бы увидеть собственными глазами следы, оставленные их стопами на великом крестном пути слова. МАРИНА ТАРАСОВА |
4 2 | Д 023621-2 1968 |
3 | MEL REC 10 02428 2016, дата записи: 2014, 2015 |
21 1 | Д 018421-2 1966 |
21 1 | Д 018421-2 1966 |
12 | М00 44797 006 1982 |
12 | М00 44797 006 1982 |
| Общество «Знание» |
3 | MEL CD 10 02473 (6 CD) 2017, дата записи: 2006-2013 |
| буклет -------- Музыка митрополита Илариона – замечательная, духовная, проникнутая огромной мощью веры, надежды, а самое главное – любви. Никита Михалков Музыка для меня – лишь одна из форм проповеди и служения. Митрополит Иларион (Алфеев) Творческая судьба композитора, чьи произведения вошли в это издание, весьма необычна. Получив профессиональное музыкальное образование, он в 20-летнем возрасте оставил музыку, принял монашество и всецело посвятил себя служению Церкви. И лишь на сороковом году жизни, после почти двадцати лет творческого молчания, он неожиданно для самого себя возобновил композиторскую деятельность и в сравнительно короткий срок создал несколько масштабных произведений, среди которых первые русские «Страсти по Матфею» и первая русская «Рождественская оратория». На сегодняшний день митрополит Иларион (Алфеев) – автор произведений самых разных жанров: от камерной музыки до масштабных ораториальных сочинений. Он является одним из наиболее часто исполняемых современных российских композиторов, чьи концерты неизменно вызывают горячий отклик у публики. За период с весны 2007 по начало 2017 года в России и за рубежом состоялось более 200 концертов, целиком посвященных исполнению его произведений. Митрополит Иларион известен как один из ведущих теологов, автор многочисленных монографий, статей в периодической печати, переводов с древних языков. В общей сложности ему принадлежит более 1000 публикаций, включая 30 книг, переведенных на многие языки. Свое музыкальное образование будущий митрополит начал в Московской специальной музыкальной школе имени Гнесиных и продолжил в Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского по классу композиции. Приняв монашество и священство в 1987 году, отец Иларион на долгие годы прекратил систематические занятия музыкой. В течение пяти лет он служил священником в Литве; затем учился в Оксфордском университете, окончив его в 1995 году со степенью доктора философии; в течение шести лет служил в московском храме святой Великомученицы Екатерины на Всполье. В эти годы написаны основные научные и богословские труды отца Илариона, снискавшие ему широкую известность в России и за рубежом. В 2002 году решением Святейшего Патриарха и Священного синода, игумен Иларион (Алфеев) был возведен в сан епископа и назначен представителем Русской Православной Церкви при Европейском союзе. С 2003 года – епископ Венский и Австрийский, управляющий епархиями Московского патриархата в Австрии и Венгрии. С 2009 года митрополит Иларион занимает один из ключевых постов в руководстве Русской Православной Церкви – председателя Отдела внешних церковных связей и Постоянного члена Священного синода. Параллельно он является ректором Общецерковной аспирантуры и докторантуры имени святых Кирилла и Мефодия и настоятелем храма иконы Божией Матери «Всех скорбящих Радость» на Большой Ордынке в Москве. В 2010 году возведен в сан митрополита. С 2011 года – председатель Синодальной библейско-богословской комиссии. В дополнение к ряду почетных докторских и профессорских степеней в области богословия митрополит Иларион в 2012 году был удостоен званий доктора музыки honoris causa Богословской семинарии Нашота Хаус (США) и почетного профессора Уральской государственной консерватории. Настоящая коллекция из шести дисков представляет музыкальное творчество митрополита Илариона в разных жанрах. Первые два диска посвящены монументальному вокально-симфоническому циклу «Страсти по Матфею» – произведению для солистов, хора и оркестра, состоящему из 48 номеров общей продолжительностью около двух часов. Традиционность замысла сочетается в этом произведении с яркостью и оригинальностью воплощения; будучи профессиональным композитором, автор «Страстей» черпает вдохновение в традициях церковной музыки христианского Востока и Запада, а как священнослужитель, на протяжении многих лет несущий слово Божие людям, он находит особенно доходчивые формы передачи текста, способные проникнуть в самое сердце слушателя. Высокое музыкальное мастерство, разнообразие, цельность, эмоциональная насыщенность и духовная глубина – все эти качества делают «Страсти по Матфею» уникальным явлением в истории современного музыкального искусства. В основу произведения положено повествование из Евангелия от Матфея, посвященное страданиям и смерти Христа. Разделенное на 16 частей, оно исполняется на русском языке в манере, характерной для чтения Евангелия в православном храме. Евангельские отрывки чередуются с музыкальными номерами – речитативами, хорами и ариями, текст которых заимствован главным образом из православного богослужения Страстной седмицы (в отдельных случаях оригинальные славянские тексты упрощены или адаптированы автором музыки). Некоторые номера исполняются только оркестром, другие – хором a capella, во многих номерах оркестр и хор звучат вместе, взаимно дополняя друг друга. В восприятии Страстей Христовых православная традиция значительно отличается от западной (католической или протестантской). Взирая на распятого Иисуса, православный христианин видит не столько страдающего Человека, сколько Бога в Его неизменной и вечной славе – Бога, ставшего Человеком и принявшего смерть для спасения всех людей. Размышляя о смерти Иисуса, православный христианин ни на миг не забывает о Его воскресении. Подобное же отношение отражено и в богослужебных текстах Страстной седмицы, которые легли в основу «Страстей» и определили их общее настроение. Лирический, эмоциональный элемент в произведении не является преобладающим. Молитвенное сопереживание страдающему Спасителю и духовное осмысление крестной смерти Богочеловека – именно в этом заключается внутреннее содержание музыки, отражающей православное прочтение истории страданий Христа. Произведение разделено на четыре тематических части, внутри которых номера исполняются без перерыва. Каждая часть имеет свою законченную структуру, включающую одну арию и одну фугу. В совокупности четыре фуги исполняют роль «несущей конструкции» всего сочинения. Первое исполнение «Страстей по Матфею» состоялось 27 марта 2007 года в Большом зале Московской консерватории. Хором и оркестром дирижировал Владимир Федосеев, в зале присутствовал Патриарх Московский и всея Руси Алексий, обратившийся к слушателям с приветственным словом, и митрополит Смоленский (ныне Патриарх Московский и всея Руси) Кирилл. С тех пор сочинение исполнялось не менее сотни раз в различных городах России, а также во многих зарубежных странах, неизменно вызывая восторженные овации публики. На третьем диске звучит «Рождественская оратория». Это сочинение было написано митрополитом Иларионом в 2007 году и впервые исполнено на рождественских концертах 2007/2008 годов в Вашингтоне и в Москве. В основе произведения – рассказ о рождении и первых днях земной жизни Иисуса Христа по Евангелиям от Матфея и Луки. В качестве либретто автор использовал богослужебные тексты Православной Церкви, посвященные праздникам Благовещения Пресвятой Богородицы, Рождества Христова и Сретения Господня. Ораторию отличает монументальность замысла, насыщенность хорового и оркестрового письма, выразительность мелодического стиля и широкое использование полифонии. На протяжении всего цикла речитативы баса и баритона-Евангелиста чередуются с оркестровыми, хоровыми и вокально-симфоническими номерами. Музыкальную драматургию произведения можно охарактеризовать как движение от мрака к свету, от Ветхого Завета к Новому, от томительного ожидания пришествия Мессии к ликующей радости о спасении человечества воплотившимся Богом. В славословии родившемуся в Вифлееме Богомладенцу ангелы объединяются с людьми: эту двуединую хвалу символизирует совместное или поочередное пение хора мальчиков и смешанного хора. Четвертый диск коллекции собрал несколько сочинений, более компактных по форме в сравнении с произведениями, представленными на трех первых дисках. Программа четвертого диска открывается кантатой «Stabat Mater» для сопрано, хора и оркестра. Это произведение создавалось в 2007–2011 годах. Идея написать Stabat Mater посетила митрополита Илариона еще в период работы над «Страстями по Матфею». «В Евангелии от Матфея ничего не сказано о Матери Божией, стоящей у Креста, – говорит композитор. – Но мне хотелось написать сочинение, которое было бы посвящено именно этой теме. Это вечная тема: Мать, плачущая о страданиях своего ребенка, и Божия Матерь, которая плачет о страданиях всего мира и с молитвой обращается к своему Сыну – воплотившемуся Богу». Стиль барокко превалирует в первой части произведения (Stabat Mater), написанной в форме пассакалии – вариаций на повторяющийся бас. Однако вторая часть (Virgo virginum) выводит слушателя в иную музыкальную стилистику: это двойная фуга с проведением музыкальных тем во всех двенадцати минорных тональностях. Основная тема фуги являет собой уникальный сплав музыкальных элементов: она содержит известный «мотив креста», апеллирует как к лирическим протяжным напевам русского музыкального фольклора, так и к церковным песнопениям. Тематической основой третьей части (Sancta Mater), арии сопрано с солирующим гобоем, послужил один из контрапунктов второй части, получивший здесь новое, лирическое развитие. Четвертая часть (Paradisi gloria) написана в жанре perpetuum mobile: музыка движется непрерывно в едином ритме с постоянно нарастающим драматическим напряжением. Симфония «Песнь восхождения» была создана в течение одной недели в августе 2008 года на слова семи псалмов из заключительных разделов Псалтири. Два из них имеют в Библии подзаголовок «Песнь восхождения», что и дало название всему произведению. Многие композиторы на протяжении XVIII–XX веков обращались к псалмам. Среди наиболее известных произведений XX века на слова Псалтири – «Симфония псалмов» Игоря Стравинского и «Чичестерские псалмы» Леонарда Бернстайна. Симфония митрополита Илариона продолжает эту традицию. Пятичастная симфония имеет общую сквозную драматургию: восхождение из глубин отчаяния (I–III части) к восторженной хвале Богу (IV–V части). Первая часть, пассакалия, построенная на ре-минорной гамме, написана на текст 129 псалма. Это один из самых скорбных псалмов, выражающий состояние души человека, который лишен надежды и «из глубины» взывает к Богу с молитвой о спасении. В основу второй части, написанной в форме фуги, легли слова 120 псалма, основная тема которого – надежда на Бога, оберегающего верующего от всякого зла. Третья часть, на слова 136 псалма, представляет собой лирическую кульминацию цикла: псалом повествует о трагической судьбе еврейского народа во время вавилонского плена; основные его темы – тоска по родине, клятва на верность отечеству, воспоминания о песнях родной земли. Заключительные две части симфонии вбирают в себя круг более светлых образов, подводя к высотам молитвенного ликования и хвале Господу. Не случайно в IV и V частях заметно усиливается роль хора как персонифицированного начала. Стройность форме всего цикла придает тематическая арка между кодой финала и пассакалией первой части, тема которой превращается в ре-мажорный звукоряд в заключительных тактах симфонии, завершающейся торжественным и ликующим «Аллилуйя». В «Concerto grosso», написанном в 2012 году для четырех солистов, струнного оркестра и клавесина, автор вновь использовал преимущественно барочную стилистику. Вступление первой части и кода третьей образуют тематическую арку, внутри которой помещается весь музыкальный материал произведения. Главная тема первой части содержит аллюзию на инструментальную музыку Баха. В основе лиричной второй части лежит характерная для баховского стиля «бесконечная мелодия»: тема проходит поочередно в партиях солистов и затем звучит в исполнении всего оркестра. В начале стремительного финала солирует скрипка, поддерживаемая воздушным звучанием оркестра, напоминая своим изяществом скрипичные концерты Вивальди, однако в коде вновь возвращается тема вступления из первой части, замыкая собой весь цикл. «Фуга на тему ВАСН». Представляя собой музыкальный мотив из четырех нот (си-бемоль–ля–до–си-бекар), каждой из которых соответствует одна буква латинского алфавита, тема ВАСН является одной из наиболее популярных у композиторов в последние несколько столетий. В эпоху барокко она использовалась в произведениях религиозной тематики, как воплощение идеи креста. Иоганн Себастьян Бах неоднократно обращался к этому музыкальному мотиву, но, пожалуй, самым известным примером его использования стала неоконченная фуга из «Искусства фуги». Как правило, композиторы, включая самого Баха, создавая произведения на эту тему, добавляли к ее четырем нотам несколько дополнительных для придания мелодии завершенности. Митрополит Иларион в своей «Фуге на тему BACH» использует в качестве темы только четыре ноты, не добавляя более ничего, и развитие музыкального материала строится на многократном проведении мотива в разных тональностях. Как и другие произведения автора фугу отличают эмоциональная напряженность и экспрессия. В данном издании звучит версия для солистов и струнного оркестра. Однако автором был сделан и другой вариант фуги – для симфонического оркестра. Заключительное произведение диска – «Песни о смерти». Интересна история их создания: в 1983 году 17-летний Григорий Алфеев написал вокальный цикл для тенора и фортепиано «Четыре стихотворения Гарсиа Лорки», исполненный позже на выпускном экзамене в школе имени Гнесиных и на вступительных экзаменах в Московской государственной консерватории. Великий испанский поэт ХХ века был, по собственному признанию митрополита Илариона, его любимым поэтом с детства. Все четыре стихотворения, избранные для вокального цикла, посвящены теме смерти. Идея цикла родилась под влиянием «Песен и плясок смерти» Мусоргского и 14 симфонии Шостаковича, первые две части которой написаны на слова Федерико Гарсиа Лорки. В 2012 году композитор вернулся к своему раннему сочинению с тем, чтобы оркестровать его, причем в оркестровке, помимо традиционного камерного состава, он использовал и классическую гитару. В новой редакции произведение было названо «Песни о смерти». На настоящем диске вокальную партию исполняет сопрано. Последние два диска содержат музыку, предназначенную для литургического употребления. На пятом диске коллекции представлена «Божественная литургия». Особенностью записи является то, что она производилась не в студии и не на концертной площадке, а в храме, причем записывалась не «инсценированная», а реально отслуженная Божественная литургия, которую совершал сам автор музыки. В Православной Церкви литургия – главное богослужение суточного круга, посвященное воспоминанию Тайной вечери; центральный момент литургии – причащение Святых Христовых Тайн. В силу особого характера литургии пение за этим богослужением должно быть проникнуто духом молитвы, помогая верующему внутренне подготовиться к причастию. Менее всего духу литургии соответствует концертный, оперный стиль, характерный для многих духовно-музыкальных композиций XIX века, исполняемых в некоторых православных храмах и поныне. В отличие от протестантских и католических богослужений, представляющих собой, как правило, серию разрозненных молитвенных действий, прерываемых паузами, литургия в православной традиции развертывается как единая неразрывная мистерия. С первого же возгласа священника верующие погружаются в стихию молитвы, не прерываемой ничем. Одни за другими, без перерыва, следуют ектении, антифоны, чтения Апостола и Евангелия, Херувимская песнь, Евхаристический канон, причастие. Вся служба проходит на одном дыхании, все подчинено единому внутреннему ритму. По православному учению в совершении литургии участвует не только Церковь земная, но и Церковь небесная – не только люди, но и ангелы. Единство и цельность литургии и в то же время ее надмирный, неземной характер – все это отражено в музыке митрополита Илариона. В предисловии к первому изданию нот Божественной литургии митрополит Иларион написал: «При работе над этой музыкой мне помогал многолетний опыт предстояния перед Престолом Божиим. Мне хотелось написать такую музыку, которая не отвлекала бы ни меня самого от совершения священнодействия и произнесения уставных молитв, ни верующих от молитвенного участия в богослужении... При исполнении этого сочинения за богослужением у молящегося должно создаваться ощущение, что он слышит знакомые напевы, и его слух не должен отвлекаться новизной или необычностью музыки». Музыку литургии отличает особая духовная проникновенность. Основное настроение всех песнопений – спокойное, просветленное и молитвенное. Основная тональность Фа мажор, в качестве дополнительных тональностей используются До мажор и ре минор. Мелодии песнопений, вошедших в состав литургии, – простые и запоминающиеся, похожие на обиходные напевы. В некоторых случаях мелодии прямо заимствованы из обихода. Литургия была написана композитором в течение первой декады июня 2006 года. Об условиях, в которых создавалась музыка, автор рассказывает: «Будучи обременен различными церковными послушаниями, в том числе многочисленными командировками, я не имею возможности систематически заниматься сочинением музыкальных композиций. Время работы над музыкой литургии совпало с моими поездками по служебным делам из Будапешта в Москву, а затем из Вены в Женеву. Значительная часть музыки была написана в пути. В частности, “Блаженны” писались в зале ожидания аэропорта Шереметьево, “Святый Боже” – в самолете Москва–Будапешт, великая и сугубая ектении – в женевском аэропорту». Первое исполнение литургии состоялось 6 июля 2006 года, в праздник Владимирской иконы Пресвятой Богородицы, в московском храме святителя Николая в Толмачах. Первое концертное исполнение отдельных номеров литургии тем же хором состоялось 7 декабря 2006 года в Большом зале Московской консерватории. С тех пор произведение регулярно исполняется во время богослужений в православных храмах. В современной практике Русской Православной Церкви всенощным бдением называется богослужение, состоящее из вечерни и утрени. Это богослужение длится около двух с половиной часов и совершается накануне праздничных и воскресных дней. По своему общему настроению всенощное бдение является молитвенным приготовлением к Божественной литургии, совершаемой на следующий день, и вместе с литургией составляет единый суточный богослужебный цикл. «Всенощное бдение» митрополита Илариона, звучащее на шестом диске данного издания, тематически и интонационно связано с написанной им ранее Божественной литургией: так, ектении литургии и бдения построены на одном музыкальном материале. Основной тональностью бдения, как и литургии, является Фа мажор, лишь некоторые номера написаны в тональностях близкого родства (ре минор, фа минор и До мажор). Таким образом, два цикла, созданные автором в течение одного года, естественным образом объединяются в единый суточный круг богослужения. В основе идеи всенощного бдения, как и литургии, лежит композиционная целостность богослужения. В Древней Руси хоровое пение было унисонным, и большинство песнопений всенощного бдения вплоть до XVI века исполнялось знаменным распевом; песнопения записывались специальными знаками-крюками. В XVI веке с Запада на Русь начала проникать линейная нотация, позволявшая обозначать абсолютную высоту каждого звука, а вместе с ней и трех- или четырехголосное партесное пение (т.е. пение по партиям). К XVIII веку певческий обиход стали составлять разрозненные песнопения партесного стиля вперемешку с песнопениями древних распевов. Это нарушило внутреннюю и интонационную целостность богослужения, превратило его в серию не связанных между собой концертных номеров. Ко второй половине XIX – началу ХХ века относятся попытки церковных и светских композиторов решить проблему композиционной целостности богослужения путем создания полных циклов всенощного бдения. Среди авторов полных всенощных – П. Чайковский, А. Никольский, А. Гречанинов, С. Рахманинов, А. Архангельский, П. Чесноков. Традиция создания всенощных не прервалась и в послереволюционное время. Митрополит Иларион в цикле «Всенощное бдение» опирается на многовековую традицию русского церковного пения, преломленную через призму авторского музыкального восприятия и литургического опыта. Музыку бдения отличает напевность мелодий, простота и ясность гармонического языка, эмоциональная сдержанность и духовная глубина. В отдельных номерах используются традиционные обиходные напевы. В частности, в «Тропарях воскресных» и в заключительной части «Великого славословия» использован знаменный распев, звучащий в унисон, и исоном или в гармонизации. Предначинательный псалом «Благослови, душе моя, Господа» написан на мелодию греческого распева. Мелодия песнопения «Свете тихий» интонационно близка киевскому распеву, а в песнопении «Взбранной Воеводе» воспроизведен современный греческий напев по версии обихода Соловецкого монастыря. Два песнопения из всего цикла написаны для солирующего голоса в сопровождении хора: «Ныне отпущаеши» (для баритона) и «Под Твою милость» (для альта). В них слышны интонации русской песни. В произведении преобладает гомофонно-гармонический склад, наиболее характерный для русской духовной музыки последних столетий. Лишь изредка, в частности, в музыке предначинательного псалма, использованы элементы полифонии. Всенощное бдение было написано в Москве в период между серединой июля и серединой августа 2006 года. Впервые исполнено 7 декабря в Большом зале Московской консерватории Хором Государственной Третьяковской галереи под управлением Алексея Пузакова. |
7 | MEL CD 10 02419 2015, дата записи: июнь 2011 г. |
| Митрополит Иларион (Алфеев) Диск 1 «Stabat Mater» для сопрано, хора и оркестра (на латинском языке) 1.1. Stabat Mater..................................................4.49 2. II. Virgo virginum.................................................5.26 3. III. Sancta Mater................................................4.46 4. IV. Paradisi Gloria................................................5.32 «Песнь восхождения», симфония для хора и оркестра на тексты из Псалтири (на русском языке) 5. Из глубины: Пс. 129.............................................6.12 6.2. Песнь восхождения: Пс. 120........................................6.17 7.3. На реках вавилонских: Пс. 136.......................................3.53 8.4. Хвалите имя Господне: Пс. 134......................................3.54 9.5. Аллилуйя: Пс. 148-150 ...........................................5.17 Общее время звучания: 46.37 Диск 2 «Рождественская оратория» для солистов, хора мальчиков, смешанного хора и симфонического оркестра (на церковнославянском и русском языках) Часть 1 1. Хор: Приидите, поклонимся.........................................7.18 2. Речитатив (бас): Ис. 1: 2,16; 7:13-15; 8:9-10; 9: 2,6-7........................2.44 3.Фуга.......................................................3.01 4. Евангелист: от Луки 1:26-35,38 ......................................2.35 5. Ария (дискант): Совет превечный.....................................2.28 6. Евангелист: от Матфея 1:18-23......................................1.49 7. Хор: С нами Бог.................................................3.26 8. Евангелист: от Луки 2:1,3-7........................................1.24 9. Хор: Богородице Дево, радуйся........................................2.30 10. Евангелист: от Луки 2:8-14........................................1.34 11. Хор: Слава в вышних Богу..........................................1.40 12. Евангелист: от Луки 2:15-20.......................................1.26 13. Интермеццо..................................................2.03 14. Хор: Христос рождается, славите....................................1.52 Часть 2 15. Евангелист: от Луки 2:21-22,25-32 ...................................2.13 16. Ария (бас): Ныне отпущаеши раба Твоего, Владыко..........................4.06 17. Евангелист: от Луки 2: 33-38........................................1.36 18. Хор: Богородице Дево............................................2.52 19. Евангелист: от Матфея 2:1-6.......................................1.31 20. Хор: Рождество Твое, Христе Боже наш.................................2.12 21. Евангелист: от Матфея 2:7-12......................................1.49 22. Хор: Дева днесь Пресущественнаго рождает..............................1.21 23. Евангелист: от Матфея 2:13-18......................................2.42 24. Ария (сопрано): Глас в Раме слышен...................................4.05 25. Евангелист: от Матфея 2:19-23......................................1.31 26. Фуга.......................................................2.30 27. Речитатив (бас): 1 Ин. 1:1-2; 4:7-10; 5:19-20.............................2.31 28. Заключительный хор: Слава в вышних Богу..............................2.51 Общее время звучания: 70.00 Хибла Герзмава, сопрано (Диск 1:3; Диск 2:24) Николай Диденко, бас (Диск 2:2,16,27) Протодиакон Виктор Шиловский, баритон (Диск 2:4,6,8,10,12,15,17,19,21,23,25) Хор академии хорового искусства имени B.C. Попова (Диск 1:1,2,4—9; Диск 2:1,2,7,9,11,14,18,20,22,28) Хор мальчиков московского хорового училища имени А.В. Свешникова (Диск 2:7,9,11,14,18,20,22,28) Национальный филармонический оркестр России Дирижер - Владимир Спиваков Запись сделана в студии Московского международного Дома музыки в июне 2011 года. Звукорежиссер - Татьяна Винницкая Инженеры: Олег Иванов, Андрей Мягков, Дмитрий Мисаилов Инженер монтажа - Дмитрий Мисаилов Мастеринг - Олег Иванов Выпускающий редактор - Елена Растегаева Дизайн - Григорий Жуков Перевод - Николай Кузнецов В оформлении использована миниатюра из Евангелия Хитрово, конец XIV в., РГБ. |
8 | MEL CD 10 02418 (2 CD) 2017, дата записи: 1979 г. |
| буклет --------- «На прошлой неделе был я как-то у Лавровской. Разговор шел о сюжетах для оперы. Лизавета Андреевна… вдруг сказала: “А что бы взять Евгения Онегина?” Мысль эта показалась мне дикой, и я ничего не отвечал… Потом … начал находить мысль Лавровской возможной, потом увлекся и… решился. Тотчас побежал отыскивать Пушкина… перечел с восторгом и провел совершенно бессонную ночь, результатом которой был сценариум прелестной оперы с текстом Пушкина» (из письма П.И. Чайковского брату М.И. Чайковскому, 17 мая 1877 г.). Так «случайный» разговор Чайковского с приятельницей (певицей Е.А. Лавровской) положил начало созданию оперы, ставшей одним из высших достижений русской музыкальной культуры. Мысль, подсказанная собеседницей, упала на благодатную почву – к этому времени Чайковский достиг подлинной художественной зрелости, проявившейся в таких произведениях, как Первый фортепианный и скрипичный концерты, балет «Лебединое озеро», Третий квартет; одновременно с «Евгением Онегиным» он будет работать над Четвертой симфонией. Уже много лет композитор напряженно «искал себя» в сфере музыкального театра, но ни одна из ранее написанных опер не принесла ему полного удовлетворения. «Мне нужно, чтобы не было царей, цариц, народных бунтов, битв, маршей – словом, всего того, что составляет атрибут grand opera. Я ищу интимной, но сильной драмы, основанной на конфликте положений, мною испытанных или виденных, могущих задеть меня за живое…», – в этих строках письма к бывшему ученику С.И. Танееву, по сути, содержится эстетическое «кредо» Чайковского как оперного композитора. Именно таким, давно искомым, сюжетом и предстал ему пушкинский роман в стихах… Работа над «Евгением Онегиным» совпала с драматической полосой в жизни самого Чайковского (опрометчивая женитьба, вызвавшая острый нервный кризис и спешный отъезд из Москвы). Несмотря на это, сочинение оперы шло невероятно быстро – уже осенью она была готова в эскизах, а в начале февраля 1878 г. в Италии была закончена инструментовка. Чайковский стремился к максимальному сохранению пушкинского текста (помощь в написании либретто композитору оказал талантливый дилетант, актер Малого театра К. Шиловский, но ввиду взаимных разногласий он попросил снять свое имя с афиши; сегодня большинство исследователей сходятся на том, что большая часть работы над либретто была проделана самим композитором). Сочиняя «Онегина» «с искренним увлечением, с любовью к сюжету и действующим лицам», Чайковский, однако, всерьез беспокоился за сценическую судьбу своего детища ввиду его несоответствия нормам оперного театра того времени: «…Мне кажется, что она осуждена на неуспех и невнимание массы публики. Содержание очень бесхитростно, сценических эффектов никаких, музыка, лишенная блеска…» Именно потому он снабдил оперу подзаголовком «лирические сцены» и не решился сразу отдать ее на сцену императорских театров, опасаясь, что казенная роскошь и исполнительская рутина погубят хрупкую красоту столь необычного сочинения (первое исполнение состоялось в 1879 г. в здании Малого театра и было осуществлено силами студентов и педагогов Московской консерватории под управлением ее директора Н.Г. Рубинштейна). Беспокойство Чайковского оказалось напрасным – более 130 лет опера «Евгений Онегин» звучит на оперных подмостках, концертной эстраде и в студиях звукозаписи, являясь одним из самых репертуарных сочинений в России и мире. Высокий ток эмоционального напряжения, возникающий с первых тактов оркестрового вступления, не прерывается вплоть до финальных аккордов последней картины. Тонкие грани психологических состояний, переплетения судеб главных героев (Татьяны, Ленского и Онегина), последовательно раскрывающихся перед слушателем, заставляют полностью забыть о внешней «несценичности» оперы. Массовые сцены с участием хора и балета являются в ней лишь внешним фоном, оттеняющим монологические и дуэтные сцены, на которые и падает главный драматургический акцент. Каждого персонажа Чайковский наделяет яркой музыкально-портретной характеристикой, которая выражается не «лейтмотивами» в вагнеровском духе, но узнаваемым кругом интонаций. С момента премьеры в Большом театре (1881) «Евгений Онегин» постоянно находился в репертуаре главной музыкальной сцены России; многочисленные записи сохранили для нас интерпретации оперы Чайковского крупнейшими исполнителями разных эпох. Предлагаемая запись 1979 г. зафиксировала постановку оперы, осуществленную в Большом театре СССР 11 годами ранее режиссером Б.А. Покровским и дебютировавшим в качестве дирижера М.Л. Ростроповичем с участием артистов молодого поколения. С подкупающей искренностью создает образ главной героини Тамара Милашкина, превращаясь в последних картинах в благородную «царицу бала»; по-новому зазвучала партия Ленского в драматической версии Владимира Атлантова; искренне и глубоко изображали своих героев Тамара Синявская (Ольга) и Евгений Нестеренко (Гремин). Но особого внимания заслуживает трактовка главного героя в исполнении Юрия Мазурока. Онегин принадлежал к высшим исполнительским достижениям выдающегося певца. Эта партия сопровождала его с первых шагов артистической деятельности (в художественной самодеятельности Львовского политехнического института и на дипломном спектакле Московской консерватории), и более двух десятилетий Онегин Мазурока, исполненный благородной сдержанности и, одновременно, раскрытый во всей противоречивости своего характера, звучал в Большом театре и на других прославленных сценах мира. «Драма одиночества, разрушающего личность… – вот тема, которую Мазурок проводит через весь образ, – читаем мы в одной из первых рецензий на постановку Большого театра. – Перед нами человек, в натуре которого природная чувствительность сочетается с душевной замкнутостью, а внешняя холодность уживается с проявлениями подлинной страсти… Экспрессивный голос Мазурока, эмоциональный звук, чеканная дикция – все это непосредственно передает смену чувств, настроений, течение мыслей героя». Запись осуществлена под руководством Марка Эрмлера – одного из крупнейших представителей дирижерской традиции Большого театра. |
| 1) Люблю тебя 2) Гоп, Дунай 3) Ты уезжаешь |
1 | 934-5 1935 |
1 | 3402, 3414 1936 |
| 3429 Комсомолика трагодиас (комсомольские частушки) Κομσομόλικα τραγωδίας Греческий хоровой кружок Ялтинского клуб нацмен п/у И. А. Илиопуло в сопровождении на кемандже М. Моисиди |
