6 дней
О сайте
2 | MEL CD 10 02465 (3 CD) 2017, дата записи: 2016  |
melodist / 2017-04-05 17:13:18 / Редакция № 4: 2022-10-26 21:52:45
| Диск 1 Концерт для фортепиано с оркестром № 1 до минор, соч. 35 1 I. Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5.55 2 II. Lento . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7.18 3 III. Moderato . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1.26 4 IV. Allegro con brio . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6.50 Концерт для фортепиано с оркестром № 2 Фа мажор, соч. 102 5 I. Allegro . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6.30 6 II. Andante . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6.40 7 III. Allegro . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5.01 Общее время: 39.45 Диск 2 Концерт для скрипки с оркестром № 1 ля минор, соч. 77 1 I. Ноктюрн. Moderato . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12.11 2 II. Скерцо. Allegro . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7.15 3 III. Пассакалия. Andante . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13.51 4 IV. Бурлеска. Allegro con brio – Presto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5.08 Концерт для скрипки с оркестром № 2 до-диез минор, соч. 129 5 I. Moderato . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14.06 6 II. Adagio . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10.25 7 III. Adagio – Allegro . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 8.16 Общее время: 71.16 Диск 3 Концерт для виолончели с оркестром № 1 Ми-бемоль мажор, соч. 107 1 I. Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6.12 2 II. Moderato . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11.56 3 III. Cadenza . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5.13 4 IV. Allegro con moto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4.58 Концерт для виолончели с оркестром № 2 Соль мажор, соч. 126 5 I. Largo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15.25 6 II. Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4.34 7 III. Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17.18 Общее время: 65.41 Солисты: Лукас Генюшас, фортепиано (CD 1: 1–4) Дмитрий Маслеев, фортепиано (CD 1: 5–7) Сергей Догадин, скрипка (CD 2: 1–4) Павел Милюков, скрипка (CD 2: 5–7) Александр Бузлов, виолончель (CD 3: 1–4) Александр Рамм, виолончель (CD 3: 5–7) Соло в оркестре: Дмитрий Трубаков, труба (CD 1: 1–4) Артур Мухаметшин, кларнет (CD 2: 1–4; CD 3: 1–4) Сергей Антонов, валторна (CD 2: 1–7; CD 3: 1–4) Дмитрий Сгонник, кларнет (CD 3: 5–7) Дмитрий Бабинцев, валторна (CD 3: 5–7) Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан. Дирижер – Александр Сладковский Запись 2016 г., Казань Звукорежиссер записи – Владимир Рябенко Инженер звукозаписи – Павел Тимофеев Руководители проекта: Андрей Кричевский, Карина Абрамян Редактор – Елена Растегаева Дизайн – Григорий Жуков Перевод – Николай Кузнецов Фото: Гульнара Хаматова, Ира Полярная, Дмитрий Якимов, Евгений Евтюхов, Катя Авраменко, Андрей Мустафаев |
melodist / 2017-04-05 17:14:39 / Редакция № 1: 2022-10-26 21:54:22
| буклет ----- Инструментальные концерты занимают особую нишу в творческом наследии Дмитрия Шостаковича. С XIX века концерт безоговорочно принадлежит к «большому» симфоническому жанру; таковым он предстает и в большинстве концертов Шостаковича (прежде всего это касается скрипичных и виолончельных концертов). В то же время «личностная» исповедальная окраска приближает их к камерным творениям мастера. Каждый концерт, подобно квартетам и инструментальным сонатам, Шостакович писал, имея в виду определенного исполнителя, – и это также накладывало свой отпечаток на музыку этих сочинений. Идея исполнительского состава Первого фортепианного концерта (фортепиано аккомпанирует струнный оркестр и солирующая труба) была навеяна произведением Пауля Хиндемита Kammermusik № 2, с которым Шостакович познакомился в начале 1930-х гг. Наряду с 24 прелюдиями концерт отразил наиболее характерные черты авторского пианизма. Впервые концерт прозвучал в исполнении автора 15 октября 1933 г. (оркестром Ленинградской филармонии дирижировал Фриц Штидри). Публика встретила новое сочинение молодого композитора с воодушевлением, реакция критики была противоречивой. Кого-то смутил повышенный «градус» гротесковых, пародийных элементов концерта, бросалась в глаза намеренная стилистическая пестрота тематизма. Концерт буквально наводнен ироничными цитатами и аллюзиями, причем ре-мажорная фортепианная соната Гайдна и начало «Аппассионаты» Бетховена соседствуют здесь с «Прощанием славянки» и уличными песенками (цитирует Шостакович и собственную музыку: темы из музыкального ревю «Условно убитый» и вставной номер к опере Э. Дресселя «Бедный Колумб»). «Раблезианская» ипостась молодого Шостаковича, идущая от его театральной и балетной музыки, проявившаяся и в некоторых страницах «Носа» и «Леди Макбет Мценского уезда», достигает в фортепианном концерте апогея. С другой стороны, концерт не лишен моментов искренней, хоть и стыдливо загримированной в антиромантические «одежды» лирики (вторая часть), которая тем ярче оттеняется энергичным юмористическим напором крайних частей. Финалу концерта предшествует масштабная сольная каденция, выросшая в самостоятельную часть – подобное решение концертной формы будет свойственно Шостаковичу и в дальнейшем. Сегодня первый фортепианный концерт остается, пожалуй, одним из популярнейших произведений Шостаковича; при этом он предполагает большую свободу для интерпретаций. Не все исполнители следуют за сдержанной, быть может, излишне суховатой авторской трактовкой. Наследник романтических традиций русской фортепианной школы Лукас Генюшас раскрывает всю полноту эмоциональной и пианистической палитры этого сочинения. Заостряя до предела саркастические, «шутовские» моменты, он с упоением отдается лирическим эпизодам и уверенно ведет за собой оркестр в энергичной моторике финала. Калейдоскопичная панорама концерта волей исполнителя обретает единый, ярко жизнерадостный тонус. Второй фортепианный концерт был написан для сына композитора – 19-летнего Максима, заканчивавшего Центральную музыкальную школу при Московской консерватории. 10 мая 1957 г. состоялась премьера концерта (Государственным симфоническим оркестром СССР дирижировал Николай Аносов). Образный мир второго концерта близок «молодежному» Концертино для двух фортепиано, соч. 94. По справедливому замечанию Веры Васиной-Гроссман, звучание концерта «определяют образы … отрочества – переходной поры от детства к юности». Довольствуясь традиционной формой и скромным, почти «домашним» обликом целого, Шостакович искренне отдался обаянию юности, которое веет над всеми лучшими произведениями советского искусства тех лет. Наиболее проникновенны страницы второй части концерта – элегического Andante (медленные части двух концертов вдохновили хореографа Юрия Григоровича на лирические Адажио в его версии балета Шостаковича «Золотой век»). Ярчайший представитель молодого поколения отечественного фортепианного искусства, обладатель золотой медали XV Международного конкурса имени П.И. Чайковского Дмитрий Маслеев тонко чувствует безоблачно-светлую стилистику сочинения, его добродушный, лишенный саркастического оттенка юмор. Обогащая выразительность лирических эпизодов, пианист преподносит второй концерт Шостаковича как лирическое интермеццо великого мастера ХХ столетия. Интерес к скрипичному искусству возник у Шостаковича после знакомства с Давидом Ойстрахом – одним из величайших скрипачей прошлого века. Их первая творческая встреча состоялась во время совместной гастрольной поездки в Турцию в 1935 г. Одним из сильнейших впечатлений первых послевоенных лет стал для Шостаковича концертный цикл «Развитие скрипичного концерта», осуществленный Ойстрахом в сезоне 1946/47 гг. Летом того же года Шостакович начал работать над Первым скрипичным концертом, партитура была закончена весной 1948 г. в самый разгар широкоразвернутой травли композитора под эгидой «борьбы с формализмом». Это повлияло на судьбу концерта, премьера которого состоялась лишь в 1955 г. Давид Ойстрах впервые исполнил его в Ленинграде (оркестром Ленинградской филармонии дирижировал Евгений Мравинский). По масштабу замысла и его воплощению Первый скрипичный концерт не уступает самым ярким симфоническим опусам Шостаковича. И в то же время в этой музыке мы видим портрет Давида Ойстраха – гениального исполнителя, сочетающего яркую экспрессивность и академическую строгость, феноменальную виртуозность и тонкое проникновение в стилистику исполняемой музыки. Отсюда своеобразная объективность концерта, в котором резко контрастирующие друг другу образы сведены в «единство противоположностей». Контраст первых двух частей – исполненного глубокого раздумья Ноктюрна и гротескового, демонического по характеру Скерцо – на новом уровне раскрывается в дальнейшем. Пассакалия становится драматургическим центром цикла – как и в предшествующих сочинениях заимствованный из барочного арсенала жанр концентрирует трагическую образность. Несомненно, в этой музыке отразились непосредственные переживания автора, бессильная горечь унижений от абсурдной «товарищеской» критики («…когда заканчивались позорные, гнусные прения, – писал Шостакович, – я возвращался домой и писал третью часть ...»). С финалом ее соединяет развернутая сольная каденция – фактически самостоятельная часть, расширяющая привычные границы цикла; в ней исполнительские трудности намеренно доведены до предела – как будто слушатель должен почувствовать физические и душевные муки автора. Завершающую часть автор назвал Бурлеской, но в ней под оболочкой праздничной жизнерадостности можно услышать отчаяние, чувство безысходности перед надвигающейся катастрофой. Одна из важнейших особенностей этого концерта состоит в необычном соотношении сольной партии и оркестровой звучности. Он более всего напоминает симфонию для скрипки с оркестром, где скрипка по воле автора нередко ведет диалог «на равных» с другими инструментами: порой отступает на второй план перед объемным многоголосием партитуры, а то и вовсе растворяется в монолитных tutti (концерт инструментован на большой состав оркестра с расширенными группами духовых и ударных). Сергей Догадин и Александр Сладковский достигают идеального баланса звучания, избегая внешних эффектов. В исполнении молодого скрипача мы вовсе не ощущаем «виртуозно-технического» компонента сольной партии. Сдержанность темповых изменений и динамических контрастов, строгое следование авторским указаниям только подчеркивают острый драматический накал музыки Шостаковича. «Дмитрий Дмитриевич задумал сделать мне подарок и написать для меня новый, второй концерт, приурочив его к моему 60-летию, – писал Давид Ойстрах. – Но он ошибся на один год. Концерт был готов к моему 59-летию». Второй скрипичный концерт – образец позднего стиля Шостаковича. На место виртуозности, артистической яркости пришла строгая экономия средств, многомерная оркестровая палитра сменилась камерной однотонностью звучания. Направленность «вовнутрь», скорее философский, нежели драматический характер, ощутимы в сольных каденциях, на этот раз расположенных в каждой части. Необычна и густая, мрачная краска «неудобной» для скрипки тональности концерта (до-диез минор). Внешне трехчастная структура соответствует традиционному концертному циклу. Но первая часть, скорее, напоминает «большие Адажио», открывающие симфонии Шостаковича. Начинаясь в умеренном, спокойном движении, ее музыка постепенно превращается в исступленный механический танец; однако конфликт не получает разрешения и «уходит» в приглушенную звучность начала. Центром второй части, медитативного Adagio (следование друг за другом медленных частей – типичная деталь творчества Шостаковича последнего десятилетия), становится скрипичная каденция, лишенная привычной для автора экспрессивности. В финале, который также начинается с медленного вступления, музыка проходит аналогичный первой части путь; но на этот раз звучание «обрывается» на пике кульминации. Второй скрипичный концерт значительно уступает первому в популярности; он ставит перед исполнителем не менее сложные задачи, но снижение исполнительской репрезентативности делает эту музыку внешне «неблагодарной». Павел Милюков нашел верный ключ к исполнительской трактовке концерта: насыщенному, густому звучанию инструмента в медленных темпах скрипач противопоставляет резкую «атаку» звука в быстрых эпизодах, раскрывая зашифрованный в музыке антагонизм внутреннего и внешнего начал. Особое отношение к тембру виолончели Шостакович проявлял на всем протяжении творческого пути. На это указывает виолончельная соната, партии инструмента в двух фортепианных трио. Истинные возможности виолончельного искусства раскрыл композитору Мстислав Ростропович, знакомство с которым состоялось еще в стенах Московской консерватории в 1940-е гг. Сам Шостакович подчеркивал, что на воплощение замысла Первого виолончельного концерта его вдохновила Симфония-концерт Сергея Прокофьева (также посвященная Ростроповичу). Однако едва ли стоит искать в концерте Шостаковича музыкальные «переклички» с музыкой старшего современника. Она послужила лишь изначальным импульсом, доказательством поистине всеохватных возможностей инструмента в руках выдающегося виолончелиста. Подобно Первому скрипичному, виолончельный концерт представляет собой «двойной портрет». За интенсивным развитием композиторской мысли проступает облик первого исполнителя – одной из ярчайших фигур в отечественной музыке – его импульсивного исполнительского стиля, его духовной ипостаси отчаянного в своей храбрости Дон Кихота, для которого «…между жизнью и смертью нет ничего, кроме музыки». Первое Allegretto начинается с лейтмотива – краткого и динамичного образа, который определяет эмоциональный тонус первой части и всего произведения. Ему отвечает вторая тема, построенная на измененной звуковой монограмме композитора (DSCH). Следует отметить «концертирующую» валторну в достаточно скромной по составу партитуре концерта (в первой части ее роль аналогична партии трубы в фортепианном концерте № 1). Лирический центр концерта – спокойно развертывающееся Moderato; в заключительных тактах высший регистр виолончели смешивается с хрупким звуком челесты. Каденция, основанная на музыке предыдущих частей, – своего рода предварительное «подведение итогов»; точку (вернее сказать, восклицательный знак) в развитии концерта ставит финал. В его стремительном движении мелькает и саркастический смешок в адрес Сталина – квазицитата из любимой песни вождя «Сулико» в сопровождении презрительного «возгласа» оркестра (на этот фрагмент внимание Ростроповича обратил сам композитор). В упрямом и безоговорочном утверждении лейтмотива, которым заканчивается концерт, можно усмотреть символическое значение. Наследник лучших традиций отечественной виолончельной школы, музыкант с ярко выраженным исполнительским стилем Александр Бузлов глубоко раскрывает авторский замысел концерта и при этом находит в его музыке черты, близкие собственной индивидуальности. Исполнитель делает акцент на крайних частях, придавая им оттенок «колючей» скерцозности; в его интерпретации характерная для Шостаковича нервная пульсация ощущается с первых тактов музыки. Масштабная каденция для солиста не самоцель, но лишь разбег для экспрессивного финала, в котором внутренний конфликт, кажется, готов вот-вот вырваться наружу. Финальный «апофеоз» лейтмотива, резкий обрыв заключения виолончелист трактует как внутренний голос автора, декларируемое им право на свободу творчества. Над Вторым виолончельным концертом, премьера которого состоялась в 1966 г. в Москве (солировал Мстислав Ростропович, Госоркестром СССР дирижировал Евгений Светланов), Шостакович работал всего один месяц; музыка его первой части рождалась под впечатлением от смерти «королевы русской поэзии» (Шостакович) – Анны Ахматовой. Последний инструментальный концерт открывает новую страницу в творчестве композитора – отныне его творческий дух движется не «вширь», но «вглубь». Как и другие поздние сочинения Шостаковича, концерт содержит множество цитат и музыкальных аллюзий на свою и чужую музыку. Но его «визитной карточкой» становится мотив популярной одесской песни 1920-х гг. «Купите бублички», ее полностью переосмысленное звучание – главный итог развития. По справедливому замечанию музыковеда Виктора Бобровского, «в кульминации финала… песенка превращена в “тему рока” – скрытая горечь стала беспредельным исступленным отчаянием… Именно скрытая трагедия – основное содержание темы». В экономно рассчитанной партитуре на фоне почти камерного состава оркестра выделяется группа ударных инструментов: их аккомпанемент солисту в завершающих разделах каждой части протягивает нить от виолончельного концерта как в прошлое (заключение Четвертой симфонии), так и в будущее (кода финала последней, Пятнадцатой симфонии) творчество композитора. Напряженному внутреннему монологу медленной первой части (Largo) противопоставлено злое скерцо (Allegretto) – помимо мотива «Купите бублички» в нем задействована и марионеточно звучащая монограмма композитора (DSCH), которая проходит через весь концерт. Сложно построенная, насыщенная музыкальными событиями третья (финальная) часть играет синтезирующую роль: здесь и превращение печальной баркаролы в гротескный трепак (невольно возникает аналогия с «Песнями и плясками смерти» Мусоргского), и возвращение тем первой части, и еще более агрессивное вторжение «Бубличков». Завершающая концерт кода с перестуком ударных на фоне выдержанного звучания виолончели – олицетворение хода Времени, неумолимого приближения конца. По словам виолончелиста Леонида Гульчина, «…это конец, после которого уже нет ничего – только истово оборванная долгая, одинокая нота солиста». Как трагическую исповедь художника, размышляющего о скором завершении жизненного пути, трактует Второй виолончельный концерт Александр Рамм. Он не копирует интерпретацию М. Ростроповича; как и темпы, эмоциональный «градус» концерта в его исполнении несколько сдержан. На фоне торжествующей вакханалии пошлости, заставляющей вспомнить картины трагического абсурда Даниила Хармса, «усталая» обреченность медленных эпизодов уже не в силах побороть зло; в трактовке виолончелиста солист-«герой» превращается в потерявшего собственное царство короля Лира… Борис Мукосей Лукас Генюшас (р. 1990) родился в семье музыкантов и в пять лет уже начал играть на фортепиано. В 2004 г. Лукас окончил ДМШ при училище имени Ф. Шопена (класс А.Н. Беломестнова) и стал стипендиатом Благотворительного фонда Мстислава Ростроповича. Летом 2013 г. он окончил Московскую консерваторию имени П.И. Чайковского (класс профессора В.В. Горностаевой) и продолжил обучение в ассистентуре. Профессиональная жизнь пианиста началась с детства – регулярные концертные выступления, участие в фестивалях и международных конкурсах. В юные годы Лукас был неоднократно удостоен наград правительства Москвы (грант «Юные дарования XXI века», федеральная стипендия «Юные дарования»). В 2008 г. Лукас стал золотым медалистом VII Молодежных Дельфийских игр России. Последние и наиболее значительные из них – I премия Международного конкурса имени Джины Бахауэр в США (2010), II премия Международного конкурса имени Ф. Шопена в Варшаве (2011), Немецкая фортепианная премия Deutscher Pianistenpreis (2012) во Франкфурте и II премия XV Международного конкурса имени П.И. Чайковского (2015). Репертуар молодого артиста расширяется с каждым годом. Особый интерес вызывают монографические программы: 24 этюда и три сонаты Ф. Шопена, пять концертов Л. ван Бетховена, «Ludus tonalis» П. Хиндемита, 24 прелюдии С. Рахманинова. За последние годы он выступал с выдающимися музыкантами современности, среди которых Г. Кремер, Ю. Темирканов, В. Гергиев, С. Сондецкис, Д. Ситковецкий, А. Борейко, М. Брунелло, М. Майский и многие другие. В 2011 г. Лукас принял участие в постановке балета Леонида Десятникова «Утраченные иллюзии» (Большой театр), в партитуре которого ведущая роль отведена солирующему фортепиано. В концертном сезоне 2014/15 состоялись дебюты Лукаса в лондонском Вигмор-холле и в Аудитории Лувра в Париже. В сезоне 2015/16 музыкант выступил на фестивалях Piano aux Jacobins в Тулузе, 1001 Notes в Лиможе, фестивале в Вербье, «Лики современного пианизма» и «Площадь искусств» в Санкт-Петербурге, «Опера Априори» в Москве, а также в парижском зале Гаво, в токийском Санторихолле, в Нагойе, Йокогаме, Варшаве, Лондоне, Вильнюсе. В сезоне 2016/17 Лукас выступит в Мюнхене, Париже, Рио-де-Жанейро, Йокогаме, Осаке, Сингапуре, Торонто, Монреале, Киеве, Вильнюсе и в нескольких российских городах, включая сольные концерты в Большом зале консерватории в Москве и в концертном зале Мариинского театра в Санкт-Петербурге. За последние пять лет записи Генюшаса с произведениями Шопена и Рахманинова вышли на лейблах NIFC, Art Classic и DUX. Двойной диск с произведениями Шопена выпустил Институт Ф. Шопена в Польше (Narodowy Instytut Fryderyka Chopina). В 2013 г. Московская консерватория выпустила диск с 24 прелюдиями Рахманинова, записанными в Большом зале во время концерта, посвященного юбилею композитора. Эта запись была совсем недавно переиздана в Нидерландах на фирме Piano Classics, где годом раньше вышел диск с сонатами Бетховена и Брамса. Год назад фирма «Мелодия» выпустила сольный диск Лукаса «Эмансипация консонанса» с произведениями Десятникова, Рябова и Арзуманова. В апреле 2016 г. на «Мелодии» вышел диск дуэтов Лукаса со скипачом Айленом Притчиным с произведениями Стравинского, Чайковского и Десятникова. Дмитрий Маслеев (р. 1988) получил широкую известность, завоевав I премию и золотую медаль на XV Международном конкурсе имени П.И. Чайковского (2015). Следующие за победой гастроли принесли ему признание мировой аудитории. Среди последних выступлений Дмитрия Маслеева концерты на фортепианных фестивалях в Руре, Ла Рок д’Антерон, Бергамо и Брешии и в зале Гастайг в Мюнхене, два гастрольных тура по Японии с оркестрами под управлением Валерия Гергиева и Юрия Башмета, французский дебют с Национальным оркестром Капитолия Тулузы, гала-концерт на открытии музыкального фестиваля в Стамбуле, а также концерт в Базеле, где он заменил заболевшего Маурицио Поллини. Дмитрий Маслеев родился в Улан-Удэ. Окончил Московскую консерваторию в классе профессора Михаила Петухова, затем стажировался в Международной академии пианистов на озере Комо (Италия). До своего триумфа на конкурсе имени Чайковского Маслеев стал победителем многих международных конкурсов, среди которых конкурс пианистов Адилии Алиевой в Гайаре (Франция, 2010), Premio Chopin в Риме (2011) и Antonio Napolitano в Салерно (Италия, 2013). В январе 2017 г. состоялся сольный дебют пианиста в Карнеги-холле (зал Исаака Стерна) с программой из произведений Скарлатти, Бетховена, Листа, Рахманинова и Прокофьева. По приглашению Валерия Гергиева Дмитрий Маслеев должен выступить в концертном зале Гастайг, где исполнит первые три фортепианные сонаты Прокофьева, в Мюнхене состоится и его концерт с Мюнхенским филармоническим оркестром. Намечены гастроли по Германии с Национальным филармоническим оркестром России под управлением Владимира Спивакова и в странах Азии с филармоническим оркестром Радио Франции под управлением Микко Франка. Помимо сольных выступлений в Рейнгау, Мекленбурге и Бад-Киссингене ему предстоит концерт на фестивале Pianoscope (Франция), возглавляемом Борисом Березовским, который назвал Маслеева «безусловным открытием» и «совершенно гениальным пианистом». Сергей Догадин (р. 1988) родился в семье музыкантов. Игрой на скрипке он начал заниматься в пять лет. В 2012 г. окончил Санкт-Петербургскую консерваторию в классе легендарного скрипача и педагога, народного артиста России, профессора Владимира Овчарека. Скрипач продолжил обучение под руководством отца, заслуженного артиста России, профессора Андрея Догадина, а также брал мастер-классы у Захара Брона, Максима Венгерова и других. В 2014 г. Сергей Догадин с отличием окончил концертную аспирантуру Высшей школы музыки в Кёльне (Германия), где проходил стажировку в классе профессора Михаэлы Мартин. В 2013–15 гг. он также стажировался в сольной аспирантуре Университета искусств г. Грац (Австрия) у профессора Бориса Кушнира. Молодой скрипач – победитель множества международных конкурсов, в числе которых гран-при, I и специальная премии жюри Международного конкурса имени Андреа Постаччини (Италия, 2002), I премия Международного конкурса имени Н. Паганини (Россия, 2005), специальная премия Баварского радио (присуждалась первый раз в истории конкурса) Международного конкурса ARD в Мюнхене (2009), II премия (I не присуждена) и приз зрительских симпатий XIV Международного конкурса имени П.И. Чайковского (2011), II премия Первого международного конкурса скрипачей имени Исаака Стерна (Китай, 2016). Сергей Догадин гастролировал в России, США, Японии, Германии, Франции, Великобритании, Швейцарии, Италии, Испании, Швеции, Дании, Китае, Польше, Литве, Венгрии, Ирландии, Чили, Латвии, Турции, Азербайджане, Румынии, Молдавии, Эстонии и Нидерландах. Скрипач сотрудничает с оркестром Лондонской филармонии, симфоническим оркестром Берлина, с Национальным филармоническим оркестром России, оркестрами Мариинского театра и Московской филармонии, национальными оркестрами Эстонии и Латвии. В числе его работ выступления с Ю. Темиркановым, В. Гергиевым, В. Ашкенази, В. Спиваковым, Ю. Симоновым, Т. Зандерлингом, А. Чеккато, В. Третьяковым, А. Дмитриевым, С. Сондецкисом, К. Мазуром, К. Гриффитсом, Ф. Мастранжело, М. Нестеровичем и многими другими. Артист был удостоен чести играть на скрипках Н. Паганини и И. Штрауса. В настоящее время Сергей Догадин играет на скрипке итальянского мастера Джованни Батиста Гваданини (Парма, 1765 г.), предоставленной ему в пользование Fritz Behrens Stiftung (Ганновер, Германия). Павел Милюков (р. 1984) – обладатель бронзовой медали XV Международного конкурса имени П.И. Чайковского (Москва, 2015) и призов многих других престижных музыкальных соревнований, в том числе конкурсов Р. Канетти (Венгрия, 2005), имени Н. Паганини (Москва, 2007), Д. Ойстраха (Москва, 2008), А. Хачатуряна (Ереван, 2012), VIII Сеульского международного конкурса скрипачей (Южная Корея, 2012). Выпускник Московской консерватории (класс народного артиста России, профессора Владимира Иванова), он продолжил обучение в Венской консерватории в классе профессора Бориса Кушнира. Скрипач ведет активную концертную деятельность, гастролирует в Австрии, Бельгии, Германии, Венгрии, Швейцарии, Италии, Испании, Финляндии, Швеции, Греции, Южной и Северной Корее, Китае и во многих городах России, где также проводит мастер-классы. Его выступления проходят и на крупнейших отечественных сценах. Артист сотрудничает с ГАСО России имени Е. Светланова, симфоническим оркестром Московской филармонии, оркестром Мариинского театра, БСО имени П.И. Чайковского, Московским симфоническим оркестром п/у П. Когана, Уральским филармоническим оркестром, Шведским духовым оркестром, Молодежным филармоническим оркестром Балтийского моря. Среди дирижеров, с которыми выступает артист, В. Гергиев, В. Спиваков, В. Федосеев, М. Плетнёв, Ю. Симонов, К. Ярви, В. Петренко, Дж. Конлон, Р. Канетти. Артист играет на скрипке Гварнери Ex-Szigeti, любезно предоставленной одним из швейцарских фондов. Александр Бузлов (р. 1983) завоевал свой первый гран-при в 13 лет на «Моцарт–96» в Монте-Карло, год спустя он был удостоен гран-при на конкурсе «Виртуозы XXI века» в Москве и выступил на юбилейном концерте, посвященном 70-летию Мстислава Ростроповича. Вскоре последовали победы на Всероссийском конкурсе «Новые имена» (гран-при, 2000), международных конкурсах Young Concert Artist в Лейпциге (2000), Нью-Йорке (2001) и Jeuness Musicales в Белграде (2005). На конкурсе имени Пабло Казальса в Кронберге (Германия, 2004) он был награжден премией Лейды Унгерер. В 2005 г. Александр Бузлов получил II премию на одном из самых престижных музыкальных состязаний – конкурсе ARD в Мюнхене, в 2008 г. завоевал второе место на старейшем музыкальном конкурсе в Европе – конкурсе виолончелистов в Женеве. В 2010 г. был удостоен гран-при и приза зрительских симпатий Международного конкурса имени Э. Фойермана в Берлине. Виолончелист трижды с успехом выступал на Международном конкурсе имени П.И. Чайковского, где был удостоен второй (2007) и третьей (2015) премий, а также трех специальных призов: за лучшее исполнение «Pezzo capricioso» П. Чайковского (2002), лучшее исполнение музыки Чайковского и приза от фонда М. Ростроповича и Г. Вишневской (2007). Александр Бузлов окончил Московскую консерваторию (класс профессора Наталии Гутман). В рамках мастер-классов занимался с крупнейшими виолончелистами эпохи (Мстиславом Ростроповичем, Даниилом Шафраном, Натальей Шаховской и другими). Во время обучения был стипендиатом международных благотворительных фондов М. Ростроповича, В. Спивакова, Н. Гузика, фонда «Русское исполнительское искусство». В настоящее время А. Бузлов преподает в Московской консерватории и является ассистентом профессора Наталии Гутман. Проводит мастер-классы в России, США и Европе. Выступает со многими музыкальными коллективами, среди которых ГАСО имени Е. Светланова, симфонический оркестр Мариинского театра, Национальный филармонический оркестр России, оркестры Московской и Санкт-Петербургской филармоний, БСО имени П.И. Чайковского. В качестве камерного исполнителя выступал с М. Аргерих, Д. Мацуевым, Н. Гутман, Э. Вирсаладзе, Ю. Башметом, А. Любимовым. Александр Рамм (р. 1988) – обладатель II премии XV Международного конкурса имени П.И. Чайковского (2015), победитель многих других музыкальных соревнований, в том числе I Кембриджского международного конкурса (Бостон, США, 2005), I Всероссийского музыкального конкурса (Москва, 2010), III Пекинского международного конкурса (Китай, 2010). На сегодняшний день он первый и пока единственный представитель России, ставший лауреатом одного из самых престижных конкурсов виолончелистов Paulo Cello Competition в Хельсинки (2013). В 2012 г. Александр Рамм окончил Московскую консерваторию (класс профессора Натальи Шаховской), а затем аспирантуру Берлинской высшей школы музыки имени Г. Эйслера под руководством Франса Хельмерсона. Александр стажировался в Академии, созданной при знаменитом фестивале в Вербье (2011), по итогам которой был отмечен призом Женевского фонда Neva Foundation. Александр гастролирует в городах России, Литвы, Швеции, Австрии, Финляндии, ЮАР, Японии, Франции, Болгарии. Сольные концерты артиста прошли в Консертгебау (Амстердам), концертном зале Мариинского театра, концертном зале имени П.И. Чайковского. Музыкант выступал в сопровождении ГАСО имени Е. Светланова, симфонического оркестра Мариинского театра, филармонических оркестров Кейптауна и Йоханнесбурга и многих других коллективов. С 2009 г. Александр выступает в дуэте с пианисткой Анной Одинцовой. В 2012 г. их ансамбль стал лауреатом конкурса дуэтов в Швеции. Александр Рамм играет на инструменте кремонского мастера Габриэля Жебрана Якуба. Александр Сладковский – народный артист России, окончил Московскую и Санкт-Петербургскую консерватории. Лауреат III Всероссийского конкурса дирижеров имени С.С. Прокофьева. Как дирижер дебютировал в Государственном театре оперы и балета Санкт-Петербургской консерватории оперой В.А. Моцарта «Cosi fan tutte» («Так поступают все женщины»). Был главным дирижером Государственной академической капеллы Санкт-Петербурга. Ассистировал Марису Янсонсу и Мстиславу Ростроповичу. С 2006 по 2010 гг. являлся дирижером Государственного симфонического оркестра «Новая Россия» под управлением Юрия Башмета. С 2010 г. – художественный руководитель и главный дирижер Государственного симфонического оркестра Республики Татарстан. За шесть лет работы в ГСО РТ радикально изменил ситуацию, значительно повысив статус коллектива в музыкально-общественной жизни Республики Татарстан и всей страны. ГСО РТ под руководством Сладковского – первый рос- сийский региональный коллектив, записанный на телеканалах Medici.tv и Mezzo. Оркестры под управлением Александра Сладковского принимали участие в крупных международных и федеральных проектах и фестивалях, среди которых «Музыкальный Олимп», «Петербургская музыкальная весна», фестиваль Юрия Темирканова «Площадь искусств», «Черешневый лес», Всероссийский конкурс оперных певцов Ирины Богачёвой, фестиваль «Родион Щедрин. Автопортрет» (2002), Young Euro Classic (Берлин), XII и XIII Пасхальный фестивали, «Crescendo», Schleswig-Holstein Musik Festival, Kunstfest-Weimar, Budapest Spring Festival–2006, Bratislava Music Festival, V Фестиваль симфонических оркестров мира, XI Woerthersee Classics Festival (Клагенфурт, Австрия), «Безумный день в Японии», фестиваль «Хибла Герзмава приглашает...», «Опера Априори» и другие. Александр Сладковский является основателем и художественным руководителем семи музыкальных фестивалей: «Рахлинские сезоны», «Белая сирень», «Казанская осень», «Concordia», «Денис Мацуев у друзей», «Творческое открытие», «Мирас». В 2012 г. осуществил запись «Антологии музыки композиторов Татарстана» и альбома «Просветление» на лейблах Sony Music и RCA Red Seal Records. В апреле 2014 г. ГСО РТ под управлением Александра Сладковского выступил в штаб-квартире ЮНЕСКО в Париже на церемонии присвоения Денису Мацуеву звания Посла доброй воли. В сезоне 2014/15 Александр Сладковский с ГСО РТ выступил в Большом театре России в рамках юбилейного концерта, посвященного 10-летию фестиваля «Crescendo», и в Санкт-Петербурге, где прошел первый гастрольный абонемент из трех концертных вечеров на сцене зала «Мариинка–3». Александр Сладковский – артист международного агентства IMG Artists. В июне 2015 г. награжден памятным знаком – медалью «Николай Римский-Корсаков», в октябре 2015 г. президент Республики Татарстан Рустам Минниханов вручил Александру Сладковскому орден «Дуслык» – «Дружба». Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан Идея создания симфонического оркестра в Татарстане принадлежала председателю Союза композиторов Татарстана, ректору Казанской государственной консерватории Назибу Жиганову. По инициативе Жиганова и первого секретаря татарского обкома КПСС Табеева в Казань был приглашен дирижер Натан Рахлин. После смерти в 1979 г. Натана Григорьевича с оркестром работали Ренат Салаватов, Сергей Калагин, Равиль Мартынов, Имант Коциньш. В 1985 г. на должность художественного руководителя и главного дирижера был приглашен народный артист России и Казахской ССР Фуат Мансуров, который проработал в татарском оркестре 25 лет. В 2010 г. после смерти Фуата Шакировича новым художественным руководителем и главным дирижером был назначен заслуженный артист России Александр Сладковский, с которым Государственный симфонический оркестр Татарстана начал 45-й сезон. С его приходом начался новый этап в истории оркестра. Организованные Государственным симфоническим оркестром РТ международные музыкальные фестивали «Рахлинские сезоны», «Белая сирень», «Казанская осень», «Concordia», «Денис Мацуев у друзей», «Творческое открытие», «Мирас» признаны одними из самых ярких событий в культурной жизни Татарстана и России. Оркестр учредил проект «Достояние республики» для одаренных воспитанников музыкальных школ и студентов консерватории, образовательный проект для школьников Казани «Уроки музыки с оркестром», цикл «Исцеление музыкой» для инвалидов и тяжело больных детей. Сегодня Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан входит в число лучших коллективов России. Концерты с участием ГСО РТ с успехом проходят в Москве, Перми, Оренбурге, Иркутске, Сочи, Тюмени в рамках фестивалей «Сrescendo», «Звезды на Байкале», «Оренбургские сезоны Дениса Мацуева», «Черешневый лес», «Безумный день в Японии», «Хибла Герзмава приглашает…», «Опера Априори» и других. В разные годы с оркестром выступали исполнители с мировыми именами, среди которых Г. Вишневская, И. Архипова, О. Бородина, Л. Казарновская, Х. Герзмава, Суми Чо, С. Кермес, А. Шагимуратова, Т. Сержан, А. Бонитатибус, Д. Алиева, П. Доминго, Р. Аланья, З. Соткилава, Д. Хворостовский, В. Герелло, И. Абдразаков, В. Спиваков, В. Третьяков, И. Ойстрах, В. Репин, С. Крылов, Г. Кремер, А. Баева, Ю. Башмет, М. Ростропович, Д. Шафран, Д. Герингас, С. Ролдугин, М. Плетнёв, Н. Петров, В. Крайнев, В. Виардо, Л. Берман, Д. Мацуев, Б. Березовский, Б. Дуглас, Н. Луганский, А. Торадзе, Е. Мечетина, Р. Ясса, К. Башмет, И. Бутман, С. Накаряков, А. Огринчук, И. Фёдоров. В 2012 г. оркестр записал Антологию музыки композиторов Татарстана и альбом «Просветление» (в диск вошли «Манфред» Чайковского и «Остров мертвых» Рахманинова) на лейблах Sony Music и RCA Red Seal. C 2013 г. Государственный симфонический оркестр РТ является артистом Sony Music Entertainment Russia. Концерты оркестра были записаны и показаны на телеканалах Mezzo и Medici.tv. |
melodist / 2017-04-05 17:15:25 / Редакция № 2: 2022-10-26 22:25:02